49 des Architectes les plus Célèbres de l’Histoire Moderne

Les architectes de l’histoire moderne sont les professionnels qui ont façonné l’environnement bâti des 20e et 21e siècles, en concevant les bâtiments et structures emblématiques qui ont répondu aux changements sociaux, politiques, technologiques et culturels de leur époque. Leur travail ne s’est pas seulement attaqué aux défis et opportunités de chaque période, mais a également reflété leurs visions uniques et leurs philosophies architecturales. Influencés par des mouvements tels que le Classique, le Gothique, le Modernisme, le Postmodernisme et l’architecture Contemporaine, ces architectes ont continuellement redéfini les frontières du design, s’adaptant aux besoins évolutifs de la société et aux préoccupations environnementales. Chaque style a apporté des principes et des exemples distincts, illustrant l’évolution dynamique de l’expression architecturale au fil du temps.Cet article explore les 49 architectes les plus influents, dont les œuvres novatrices continuent d’inspirer les générations et de façonner le paysage architectural.

01. Frank Lloyd Wright

Frank Lloyd Wright était un architecte, designer, écrivain et éducateur américain qui a conçu plus de 1 000 structures sur une période créative de 70 ans. Il a été un pionnier de l’École de la Prairie et du mouvement Usonien et a reçu plusieurs récompenses, dont la Médaille d’Or du RIBA et la Médaille d’Or de l’AIA. L’architecture de Wright était influencée par sa croyance en une architecture organique, qui cherchait à créer une harmonie entre les structures humaines et l’environnement naturel. Il utilisait des matériaux locaux, des plans ouverts, des lignes horizontales et des formes géométriques pour créer des bâtiments innovants et fonctionnels qui se fondaient avec leur environnement. Il a également conçu de nombreux éléments intérieurs de ses bâtiments, tels que des meubles, des vitraux et des textiles.

Wright est né le 8 juin 1867 à Richland Center, Wisconsin. Il a grandi dans le Wisconsin et l’Illinois, où il aimait la nature et l’architecture. Il a étudié le génie civil à l’Université du Wisconsin puis a fait un apprentissage à Chicago avec Joseph Lyman Silsbee et Louis Sullivan. Il a ouvert son propre cabinet en 1893 et a établi un studio dans sa maison d’Oak Park en 1898. Plus tard, il déménagea dans le Wisconsin, en Arizona et à New York, où il construisit ses maisons et studios : Taliesin, Taliesin West et Taliesin East. Il est décédé le 9 avril 1959 à Phoenix, en Arizona, États-Unis. Wright est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de son originalité, sa créativité et son influence. Il est largement reconnu comme l’un des plus grands architectes de tous les temps et l’une des figures les plus importantes de la culture du 20e siècle. Il a changé le cours de l’architecture américaine et inspiré des générations d’architectes dans le monde entier. Ses œuvres ont été reconnues comme sites du patrimoine national et mondial et ont reçu de nombreux prix et distinctions. Il a également écrit plusieurs livres et articles et donné des conférences et interviews exprimant sa vision et sa philosophie.

L’éducation de Wright était principalement informelle et autodirigée. Il n’a pas complété un diplôme formel en architecture mais a appris auprès de ses mentors, collègues et voyages. Il a également établi sa propre école d’architecture, la Fellowship Taliesin, où il enseignait à ses apprentis et étudiants ses principes et méthodes. Il a aussi appris de ses expériences, expériences et interactions avec ses clients et critiques. Il était toujours curieux, ouvert aux nouvelles idées et défis, et cherchait constamment à améliorer ses compétences et connaissances.

02. Zaha Hadid

Zaha Hadid était une architecte, artiste et designer britannico-irakienne, reconnue pour ses conceptions innovantes et influentes. Elle fut la première femme à recevoir le Prix Pritzker d’Architecture, la plus prestigieuse récompense en architecture, en 2004. Elle fut également la première femme à recevoir la Médaille d’Or Royale de l’Institut Royal des Architectes Britanniques en 2016. Elle était considérée comme l’une des plus grandes architectes du 21e siècle et une pionnière du déconstructivisme et du paramétrisme. Née à Bagdad, en Irak, le 31 octobre 1950, Zaha Hadid a grandi dans une famille aisée et progressiste qui encourageait son éducation et sa créativité. Elle a étudié les mathématiques à l’Université Américaine de Beyrouth avant de déménager à Londres en 1972 pour étudier l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture. Elle a obtenu son diplôme en 1977 et a rejoint l’Office for Metropolitan Architecture (OMA), où elle a travaillé avec Rem Koolhaas et Elia Zenghelis. Elle a ouvert son propre cabinet, Zaha Hadid Architects, en 1980 et a rapidement acquis une reconnaissance internationale pour ses projets visionnaires et radicaux.

Les œuvres de Zaha Hadid s’étendent sur diverses échelles et types, allant des meubles et intérieurs aux gratte-ciels et plans directeurs. Elle a conçu plus de 1 000 structures dans plus de 40 pays, dont beaucoup sont devenus des repères emblématiques et des symboles culturels. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent la caserne de pompiers Vitra en Allemagne (1993), le Rosenthal Center for Contemporary Art à Cincinnati (2003), l’Opéra de Guangzhou en Chine (2010), le Centre Aquatique de Londres pour les Jeux Olympiques de 2012 (2011), le Centre Heydar Aliyev en Azerbaïdjan (2012) et le Dongdaemun Design Plaza à Séoul (2014). Elle a également conçu plusieurs projets non construits ou inachevés, tels que le Peak à Hong Kong (1983), l’Opéra de la baie de Cardiff au Pays de Galles (1994) et le Stade Olympique de Tokyo au Japon (2016). Zaha Hadid a contribué au domaine de l’architecture en introduisant de nouvelles formes, techniques et concepts qui défient le conventionnel et le statique. Elle a utilisé des technologies numériques avancées, telles que la conception et la fabrication assistées par ordinateur, pour créer des géométries complexes exprimant le mouvement et la fluidité. Elle a également expérimenté avec différents matériaux, tels que le béton, l’acier, le verre et les composites, pour créer des structures expressives et sculpturales qui s’intègrent à leur environnement. Elle s’est inspirée de diverses sources, telles que la nature, l’art, les mathématiques et la science, et a cherché à créer un dialogue entre l’architecture et son contexte, sa culture et ses utilisateurs.

Zaha Hadid était également une figure controversée dans le monde de l’architecture, ses conceptions faisant souvent l’objet de critiques, d’oppositions ou de retards. Certains critiques l’ont accusée d’être trop extravagante, impraticable ou égocentrique et d’ignorer les implications sociales, économiques ou environnementales de ses projets. Certains clients ou collaborateurs se sont plaints de ses honoraires élevés, de sa personnalité exigeante ou de ses attentes irréalistes. Des scandales, tels que des allégations de plagiat, de corruption ou de violations des droits de l’homme, ont également entaché certains de ses projets. Malgré ces controverses, Zaha Hadid est restée défiante et passionnée par son travail et a défendu sa vision et ses valeurs. Zaha Hadid est décédée le 31 mars 2016 à Miami, en Floride, États-Unis, d’une crise cardiaque. Elle avait 65 ans. Elle laisse derrière elle un héritage d’œuvres révolutionnaires et inspirantes qui ont influencé et transformé le domaine de l’architecture et au-delà. Elle était également un modèle et une mentor pour de nombreux jeunes architectes, en particulier des femmes, qui aspirent à suivre ses traces et à réaliser leurs rêves. Elle a été célébrée et honorée par de nombreuses institutions, publications et organisations, et ses œuvres ont été largement exposées et publiées. Elle a reçu à titre posthume plusieurs prix, tels que la statuette des Brit Awards 2017. Elle est rappelée comme l’une des architectes les plus originales, créatives et influentes de tous les temps.

03. Le Corbusier

Le Corbusier a été un pionnier de l’architecture moderne en tant qu’architecte, designer, peintre, urbaniste et écrivain suisse-français. Il est né en 1887 à La Chaux-de-Fonds, en Suisse, et est devenu citoyen français en 1930. Il est décédé en 1965 à Roquebrune-Cap-Martin, en France. Il est largement considéré comme l’un des plus grands architectes du 20e siècle et l’une des figures les plus influentes de la culture moderne. Visionnaire, Le Corbusier a combiné le fonctionnalisme et l’expressionnisme sculptural dans ses conceptions. Il a cherché à créer une harmonie entre les structures humaines et l’environnement naturel, en utilisant des matériaux locaux, des plans ouverts, des lignes horizontales et des formes géométriques. Il a également conçu de nombreux éléments intérieurs de ses bâtiments, tels que des meubles, des vitraux et des textiles. Il s’inspirait de diverses sources, telles que la nature, l’art, les mathématiques et la science.

Le Corbusier n’a pas obtenu de diplôme formel en architecture mais a appris de ses mentors, collègues et voyages. Il a étudié les mathématiques à l’Université Américaine de Beyrouth et l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture à Londres. Il a travaillé avec Joseph Lyman Silsbee et Louis Sullivan à Chicago, ainsi qu’avec Rem Koolhaas et Elia Zenghelis au sein de l’Office of Metropolitan Architecture à Rotterdam. Il a ouvert son propre cabinet en 1980 et a établi sa propre école d’architecture, la Taliesin Fellowship, où il enseignait ses principes et méthodes. Le Corbusier a conçu plus de 1 000 structures dans plus de 40 pays, dont beaucoup sont devenues des repères emblématiques et des symboles culturels. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent la Villa Savoye à Poissy, en France, la chapelle Notre-Dame-du-Haut à Ronchamp, en France, l’Unité d’Habitation à Marseille, en France, le complexe du Capitole à Chandigarh, en Inde, et le Musée National des Beaux-Arts de l’Occident à Tokyo, au Japon. Il a également conçu plusieurs projets non construits ou inachevés, tels que le Peak à Hong Kong, l’Opéra de la Baie de Cardiff au Pays de Galles et le Stade Olympique de Tokyo, au Japon.

Le Corbusier a contribué au domaine de l’architecture en introduisant de nouvelles formes, techniques et concepts qui défiaient le conventionnel et le statique. Il a utilisé des technologies numériques avancées, telles que la conception et la fabrication assistées par ordinateur, pour créer des géométries complexes exprimant le mouvement et la fluidité. Il a également expérimenté avec différents matériaux, tels que le béton, l’acier, le verre et les composites, pour créer des structures expressives et sculpturales qui s’intègrent à leur environnement. Il était un membre fondateur du Congrès International d’Architecture Moderne (CIAM) et un leader du mouvement moderne. Il a changé le cours de l’architecture et inspiré des générations d’architectes dans le monde entier. Le Corbusier était également une figure controversée dans le monde de l’architecture, car ses conceptions faisaient souvent l’objet de critiques, d’oppositions ou de retards. Certains critiques l’ont accusé d’être trop extravagant, peu pratique ou égocentrique, ignorant les implications sociales, économiques ou environnementales de ses projets. Certains de ses clients ou collaborateurs se sont plaints de ses honoraires élevés, de sa personnalité exigeante ou de ses attentes irréalistes. Des scandales, tels que des allégations de plagiat, de corruption ou de violations des droits de l’homme, ont également entaché certains de ses projets. Malgré ces controverses, Le Corbusier est resté défiant et passionné par son travail, défendant sa vision et ses valeurs.

04. Frank Gehry

Frank Gehry est un architecte canado-américain connu pour ses conceptions innovantes et non conventionnelles. Il est l’un des architectes les plus influents et célébrés de la fin du 20e et du début du 21e siècle. Il a reçu de nombreux prix prestigieux, notamment le Prix Pritzker d’Architecture, la Médaille présidentielle de la Liberté et la Médaille d’Or Royale. Gehry est souvent associé au style du déconstructivisme, qui remet en question les formes et l’esthétique traditionnelles de l’architecture. Il utilise des géométries complexes, des formes courbes et des matériaux divers pour créer des structures dynamiques et expressives. Il emploie également des logiciels informatiques avancés pour concevoir et réaliser ses bâtiments. Gehry est né à Toronto, Canada, en 1929. Il a déménagé à Los Angeles, Californie, avec sa famille en 1947 et est devenu citoyen américain naturalisé. Il a étudié l’architecture à l’Université de Californie du Sud et l’urbanisme à l’Université Harvard. Il a travaillé pour plusieurs cabinets d’architecture avant de créer son propre cabinet en 1962.

Le projet marquant de Gehry fut sa maison à Santa Monica, Californie, qu’il a rénovée en 1978. Il a transformé un bungalow classique en un collage de métal, bois, verre et grillage. La maison a attiré l’attention et suscité la controverse en raison de son apparence radicale, inspirant Gehry à aller plus loin dans ses expérimentations. Parmi les œuvres les plus célèbres de Gehry figurent le Musée Guggenheim à Bilbao, Espagne, inauguré en 1997 et devenu un symbole du renouveau culturel et économique de la ville ; le Walt Disney Concert Hall à Los Angeles, Californie, inauguré en 2003 et acclamé pour son acoustique et son esthétique ; la Fondation Louis Vuitton à Paris, France, inaugurée en 2014, un musée et centre culturel logé dans une structure en verre ressemblant à un voilier ; et le Dwight D. Eisenhower Memorial à Washington, D.C., inauguré en 2020, un hommage au 34e président des États-Unis.

La contribution de Gehry à l’architecture réside non seulement dans ses conceptions originales et artistiques, mais aussi dans son utilisation de la technologie et de la collaboration. Il a développé des outils logiciels qui lui permettent de créer et de visualiser des formes et des structures complexes. Il a également collaboré avec des ingénieurs, artistes, musiciens et autres professionnels pour réaliser ses visions et intégrer ses bâtiments à leur environnement et à leurs fonctions. Gehry a également fait face à des critiques et des controverses concernant certains de ses projets, accusés d’être extravagants, inutiles, impraticables ou hors contexte. Certains critiques ont affirmé que ses bâtiments sont davantage une expression personnelle qu’une réponse aux besoins et désirs des utilisateurs et du public. Gehry a défendu son travail comme une réponse aux défis et opportunités du monde contemporain.

05. Bjarke Ingels

Bjarke Ingels est un architecte danois, fondateur et partenaire créatif de Bjarke Ingels Group (BIG), une agence mondiale d’architecture et de design. Il est connu pour ses conceptions innovantes et non conventionnelles qui remettent en question les formes et l’esthétique traditionnelles de l’architecture. Il est décrit comme un visionnaire et un leader dans le domaine de l’architecture durable et socialement consciente. Bjarke Ingels a étudié l’architecture à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Copenhague et à l’Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelone. Il a obtenu son diplôme en 1999 et a travaillé pour Rem Koolhaas à l’Office for Metropolitan Architecture (OMA) à Rotterdam jusqu’en 2001. Il est ensuite retourné à Copenhague et a cofondé PLOT Architects avec Julien de Smedt, un ancien collègue de l’OMA. En 2005, il a fondé son propre cabinet, BIG, qui dispose aujourd’hui de bureaux à Copenhague, New York, Londres, Barcelone et Shenzhen.

Bjarke Ingels a conçu et réalisé de nombreux projets à travers le monde, allant des bâtiments résidentiels et institutions culturelles aux plans directeurs urbains et paysages. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent les VM Houses et les Mountain Dwellings à Copenhague, le pavillon danois de l’Expo de Shanghai 2010, le 8 House et l’usine Amager Bakke à Copenhague avec une piste de ski sur son toit, le VIA 57 West et le 2 World Trade Center à New York, la LEGO House à Billund, le Musée Tirpitz à Blåvand, le Musée Audemars Piguet au Brassus, le Twist Museum à Kistefos et la Bibliothèque Nationale du Kazakhstan à Astana. Bjarke Ingels a contribué à l’architecture en créant des designs fonctionnels et ludiques, intégrant écologie et économie, tout en répondant au contexte local et aux défis mondiaux. Il a également utilisé des technologies avancées et la collaboration pour réaliser ses visions et communiquer ses idées au public. Il a publié plusieurs livres, tels que Yes Is More, Hot to Cold et Formgiving, et donné de nombreuses conférences et interviews. Il a également été présenté dans des documentaires comme Big Time et Abstract: The Art of Design.

Bjarke Ingels a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment le Prix Culturel du Prince Héritier Danois, le Lion d’Or à la Biennale de Venise d’Architecture, le prix Innovator of the Year du Wall Street Journal, le Prix Européen d’Architecture et sa place dans la liste Time 100 des personnes les plus influentes au monde. Il a également fait face à des critiques et controverses concernant certains de ses projets, accusés d’être extravagants, coûteux, peu pratiques ou hors contexte. Certains critiques ont affirmé que ses bâtiments reflètent davantage son expression personnelle que les besoins et désirs des utilisateurs et du public.

06. Michael Graves

Michael Graves était un architecte et designer américain, l’une des figures principales du mouvement postmoderniste en architecture. Il était connu pour ses bâtiments colorés et ludiques qui combinaient des éléments classiques et contemporains. Il a également conçu de nombreux produits de consommation, tels que des articles de cuisine, des meubles et des équipements de santé. Michael Graves est né à Indianapolis, dans l’Indiana, le 9 juillet 1934. Il a étudié l’architecture à l’Université de Cincinnati et à l’Université Harvard, où il a été influencé par des architectes modernistes tels que Le Corbusier et Walter Gropius. Il a ensuite enseigné l’architecture à l’Université de Princeton pendant près de 40 ans, où il a encadré de nombreux étudiants et collègues.

Michael Graves a acquis une renommée et une reconnaissance pour son travail architectural, qui allait des bâtiments publics, tels que le Portland Building dans l’Oregon et le Humana Building dans le Kentucky, aux résidences privées, telles que la Snyderman House dans l’Indiana et sa propre maison dans le New Jersey. Il a également conçu de nombreux projets pour Disney, tels que les complexes Swan et Dolphin Resorts en Floride et le Team Disney Building en Californie. Michael Graves a reçu de nombreuses distinctions pour ses contributions à l’architecture et au design, telles que la Médaille Nationale des Arts en 1999, la Médaille d’Or de l’AIA en 2001, et le Prix Driehaus d’Architecture en 2012. Il était également membre de l’Académie Américaine à Rome et président de sa Société des Fellows de 1980 à 1984.

Michael Graves a transformé l’industrie de l’architecture en remettant en question la domination du modernisme et en introduisant une approche plus humaniste et expressive du design. Il a également rendu l’architecture plus accessible et populaire en créant des produits abordables et fonctionnels pour un usage quotidien. Il est décédé le 12 mars 2015 à Princeton, dans le New Jersey, laissant un héritage d’innovation et d’inspiration.

07. Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie Mackintosh était un architecte, designer, aquarelliste et artiste écossais. Il fut l’une des figures majeures du Glasgow Style, une branche du mouvement Arts and Crafts britannique et de l’Art Nouveau. Né à Glasgow le 7 juin 1868, il est décédé à Londres le 10 décembre 1928. Mackintosh a étudié l’architecture à la Glasgow School of Art et à l’Université de Glasgow. Il a travaillé comme apprenti puis associé au cabinet d’architecture Honeyman and Keppie. Il a également collaboré avec sa femme, Margaret Macdonald, et deux autres artistes, surnommés « Les Quatre », pour créer des affiches, des objets d’artisanat et des meubles innovants.

Mackintosh est considéré comme une légende pour son style original et influent, qui combinait des éléments classiques et contemporains, des formes géométriques, des motifs organiques, ainsi que des couleurs et textures riches. Parmi ses créations emblématiques figurent la Glasgow School of Art, les Willow Tearooms, la Hill House et la House for Art Lovers. Il a également conçu des produits du quotidien, tels que des ustensiles de cuisine, des textiles et des horloges. Mackintosh a reçu plusieurs distinctions, notamment la bourse Alexander Thomson Travelling Studentship en 1890, qui lui permit d’étudier l’architecture ancienne en Italie, la médaille d’or à l’Exposition de Paris de 1900 pour sa conception de la House for an Art Lover, et la médaille de bronze du RIBA en 1920 pour son design de la Glasgow School of Art. Il fut admiré par de nombreux architectes et designers européens comme Josef Hoffmann, Walter Gropius et Le Corbusier.

Mackintosh a contribué au développement de l’architecture et du design modernes en défiant les conventions et traditions de son époque et en introduisant une vision esthétique nouvelle, expressive, fonctionnelle et originale. Il a rendu l’architecture et le design plus accessibles en créant des produits abordables et pratiques. Il a influencé de nombreux mouvements et styles tels que l’Art Déco, le Bauhaus, le Modernisme et le Postmodernisme. Mackintosh n’était pas toujours apprécié ou compris par ses contemporains. Il a connu des difficultés dans sa carrière, comme la perte de commandes, des problèmes financiers et le rejet par l’establishment architectural. Il a quitté Glasgow en 1914 pour Londres, où il peina à trouver du travail et une reconnaissance. Il passa ses dernières années en France, où il se consacra à la peinture.

08. Louis Sullivan

Louis Sullivan était un architecte américain considéré comme le père des gratte-ciel modernes et un pionnier de l’École de Chicago. Né à Boston, Massachusetts, le 3 septembre 1856, il est décédé à Chicago, Illinois, le 14 avril 1924. Il étudia brièvement l’architecture au Massachusetts Institute of Technology avant de rejoindre l’École des Beaux-Arts à Paris. Il travailla avec plusieurs architectes, notamment Dankmar Adler, avec qui il forma un partenariat en 1879. Sullivan est connu pour sa construction novatrice en structure d’acier, qui lui permit de créer des bâtiments hauts avec de grandes fenêtres et des intérieurs ouverts. Il développa également un style distinctif d’ornementation organique, inspiré de la nature et de la géométrie, qui décorait les façades et intérieurs de ses bâtiments. Il croyait que « la forme suit la fonction » et que chaque bâtiment devait exprimer son propre objectif et identité. Parmi ses œuvres majeures figurent l’Auditorium Building (1889), le Wainwright Building (1891), le Guaranty Building (1896), le Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899), et le Bayard-Condict Building (1899). Il conçut également une série de petites banques dans le Midwest, comme la National Farmers’ Bank d’Owatonna (1908) et la Merchants’ National Bank de Grinnell (1914). Il rédigea plusieurs ouvrages et articles sur l’architecture, notamment The Autobiography of an Idea (1924) et Kindergarten Chats (1918).

La contribution de Sullivan à l’architecture fut immense et influente. Il fut le mentor de Frank Lloyd Wright, qui le considérait comme son « Lieber Meister » (cher maître). Il inspira également d’autres architectes de l’École de la Prairie, comme Walter Burley Griffin et Marion Mahony Griffin. Il fut l’un des premiers architectes à articuler une vision de l’architecture américaine distincte des traditions européennes. Il fit du gratte-ciel un symbole de progrès et de vitalité urbaine. Sullivan reçut la médaille d’or de l’AIA à titre posthume en 1944, devenant ainsi le deuxième architecte à recevoir cet honneur. Il fut également reconnu par le Registre National des Lieux Historiques, les Monuments Historiques Nationaux et la Liste du Patrimoine Mondial de l’UNESCO pour ses bâtiments. Il est largement considéré comme l’un des plus grands architectes de tous les temps et l’un des fondateurs de l’architecture moderne.

09. Walter Gropius

Walter Gropius était un architecte et éducateur germano-américain qui a fondé le Bauhaus, une école d’art et de design qui a influencé l’architecture et le design modernes. Il était également un pionnier du Style International, un mouvement qui mettait l’accent sur la fonctionnalité, la simplicité et la rationalité en architecture. Walter Gropius est né à Berlin, en Allemagne, le 18 mai 1883. Issu d’une famille d’architectes, il a étudié l’architecture à Munich et à Berlin. Il a travaillé avec Peter Behrens, un designer industriel de premier plan, et a collaboré avec Adolf Meyer, son partenaire et assistant. Il a servi dans l’armée allemande pendant la Première Guerre mondiale et a été décoré deux fois de la Croix de Fer.

Walter Gropius a fondé le Bauhaus à Weimar, en Allemagne, en 1919. Le Bauhaus était une école qui combinait l’art, l’artisanat et la technologie et visait à créer une nouvelle esthétique pour l’ère moderne. Le Bauhaus a attiré des artistes et enseignants célèbres, tels que Paul Klee, Wassily Kandinsky et Ludwig Mies van der Rohe. L’école a également produit des designs innovants pour des meubles, textiles, céramiques et autres produits. L’école a déménagé à Dessau en 1925 et à Berlin en 1932, mais a été fermée par les nazis en 1933. Walter Gropius a quitté l’Allemagne en 1934 pour l’Angleterre, où il a travaillé avec Maxwell Fry et Erich Mendelsohn. Il a ensuite déménagé aux États-Unis en 1937 et est devenu professeur à l’Université Harvard. Il a également fondé The Architects’ Collaborative, un groupe de jeunes architectes qui ont travaillé sur divers projets, tels que le Harvard Graduate Center, le Pan Am Building et le John F. Kennedy Federal Building. Il a également conçu sa propre maison à Lincoln, Massachusetts, aujourd’hui un musée.

Walter Gropius est décédé à Boston, Massachusetts, le 5 juillet 1969. Il était largement considéré comme l’un des architectes les plus influents du XXe siècle. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, tels que la médaille d’or de l’AIA, le prix Goethe et la médaille Albert. Il a également écrit plusieurs livres et essais, tels que La Nouvelle Architecture et le Bauhaus, Scope of Total Architecture et La Théorie et l’organisation du Bauhaus. C’était un visionnaire qui a façonné le monde moderne avec ses idées et ses œuvres.

10. David Adjaye

David Adjaye est un architecte ghanéen-britannique connu pour avoir conçu le National Museum of African American History and Culture à Washington, D.C. Il est le premier architecte africain à recevoir la médaille d’or royale et le premier à recevoir le Crystal Award. Il a également conçu de nombreux autres bâtiments dans le monde, tels que la Moscow School of Management Skolkovo, le National Museum of African American History and Culture et la Francis A. Gregory Neighborhood Library. David Adjaye est né à Dar es Salaam, en Tanzanie, le 22 septembre 1966. Issu d’une famille de diplomates, il a vécu dans plusieurs pays avant de déménager en Grande-Bretagne à l’âge de neuf ans. Il a étudié l’architecture à la London South Bank University et au Royal College of Art, où il a obtenu une maîtrise en 1993. Il a remporté la médaille de bronze RIBA pour le meilleur projet de conception de premier cycle au Royaume-Uni en 1990.

David Adjaye a créé son propre cabinet, Adjaye Associates, en 2000. Il a travaillé sur divers projets, incluant des maisons résidentielles, des bâtiments publics et des institutions culturelles. Parmi ses œuvres notables figurent le Whitechapel Idea Store à Londres, le Nobel Peace Center à Oslo, le Smithsonian National Museum of African American History and Culture à Washington, D.C., le Ruby City Art Center à San Antonio et la National Cathedral of Ghana à Accra. Il a collaboré avec des artistes tels que Chris Ofili, Lorna Simpson et Olafur Eliasson. David Adjaye a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, tels que l’OBE en 2007, l’anoblissement en 2017, la médaille d’or royale en 2021 et le Crystal Award en 2021. Il a également écrit plusieurs livres et essais, tels que David Adjaye Houses, La Nouvelle Architecture et le Bauhaus et African Metropolitan Architecture. Il est professeur à l’Université Harvard et membre de l’Ordre du Mérite.

David Adjaye est considéré comme une légende car il a créé des designs innovants et inspirants qui reflètent son expérience et ses influences culturelles diverses. Il a contribué à l’industrie de l’architecture en promouvant la durabilité sociale et environnementale, la diversité et l’inclusion, et la collaboration mondiale. Il a également fait face à des controverses, telles que des allégations d’agression sexuelle et de harcèlement par trois femmes en 2023, qu’il a niées mais pour lesquelles il s’est excusé. Il a également été critiqué pour son implication dans le controversé Holocaust Memorial and Learning Centre à Londres, que certains jugent inapproprié et inutile.

11. Richard Rogers

Richard Rogers était un architecte britannico-italien connu pour ses conceptions modernistes et constructivistes dans l’architecture de haute technologie. Il est né à Florence, Italie, le 23 juillet 1933 et est décédé à Londres, Angleterre, le 18 décembre 2021. Il a déménagé en Angleterre avec sa famille en 1938 pour fuir le régime fasciste et les lois anti-juives en Italie. Il a étudié l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture à Londres et à l’École d’Architecture de Yale aux États-Unis.

Richard Rogers était considéré comme une légende car il a révolutionné le domaine de l’architecture avec son utilisation innovante et expressive des éléments structurels et mécaniques. Il a exposé les composants fonctionnels de ses bâtiments, tels que les tuyaux, les conduits et les cadres en acier, et les a célébrés comme des caractéristiques esthétiques. Il utilisait également des couleurs vives et des matériaux transparents pour créer des espaces dynamiques et ludiques. Il a été influencé par les idées des architectes modernistes tels que Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe et Buckminster Fuller. Le grand accomplissement de Richard Rogers a été la conception du Centre Pompidou à Paris, qu’il a co-conçu avec l’architecte italien Renzo Piano. Le Centre Pompidou était un complexe culturel abritant un musée d’art moderne, une bibliothèque publique et un centre de recherche acoustique et musical. Terminé en 1977, il est devenu une icône de l’architecture contemporaine. Le bâtiment a été conçu comme une structure flexible et adaptable, avec ses services et systèmes de circulation exposés à l’extérieur. Le Centre Pompidou a été salué pour son originalité et sa fonctionnalité et a attiré des millions de visiteurs.

Les récompenses de Richard Rogers incluaient la Médaille d’or RIBA en 1985, la Médaille Thomas Jefferson en 1999, le Praemium Imperiale en 2000, le Prix Stirling en 2006 et 2009, la Médaille Minerva en 2007 et le Prix Pritzker en 2007. Il a également été anobli en 1991 et fait pair à vie en 1996. Il était membre de la Royal Academy of Arts, du Royal Institute of British Architects, de la Chartered Society of Designers et de la Royal Academy of Engineering. Il a reçu des doctorats honoris causa de plusieurs universités, dont Oxford, Cambridge et Yale. Les œuvres clés de Richard Rogers comprenaient le bâtiment Lloyd’s à Londres (1986), le Dôme du Millénaire à Greenwich (1999), le bâtiment de la Cour européenne des droits de l’homme à Strasbourg (1995), le terminal 4 de l’aéroport de Madrid-Barajas en Espagne (2006), le Terminal 5 de Heathrow à Londres (2008) et le bâtiment du Senedd à Cardiff (2006). Il a également travaillé sur des projets d’urbanisme tels que le rapport Towards an Urban Renaissance 1999 et la Vision Grand Paris 2009. Il a fondé sa propre agence d’architecture, Rogers Stirk Harbour + Partners, en 1977 et a pris sa retraite en 2020.

Richard Rogers a contribué à l’architecture en créant des bâtiments innovants, expressifs et socialement responsables. Il a remis en question les notions conventionnelles de l’architecture et a créé de nouvelles formes et espaces qui reflétaient les besoins et les aspirations changeants de la société. Il a également plaidé pour un développement urbain durable et inclusif et a promu les valeurs de démocratie, de diversité et de culture. Il était l’un des architectes les plus influents et respectés de sa génération, inspirant de nombreux autres à suivre sa vision. Richard Rogers était parfois controversé parce que ses conceptions étaient souvent radicales et non conventionnelles et faisaient parfois face à l’opposition du public ou des autorités. Le Centre Pompidou a été initialement critiqué pour être trop industriel et déplacé dans le quartier historique de Paris. Le bâtiment Lloyd’s était également controversé pour son apparence futuriste et complexe, ainsi que pour son coût élevé et ses problèmes de maintenance. Certaines de ses propositions d’urbanisme, telles que la vision du Grand Paris, ont également rencontré le scepticisme et la résistance de certains politiciens et parties prenantes.

12. Eero Saarinen

Eero Saarinen était un architecte et designer industriel finno-américain qui a créé des conceptions innovantes et expressives pour des bâtiments et des monuments. Né à Florence, Italie, le 20 août 1910, il est décédé à Ann Arbor, Michigan, le 1er septembre 1961. Il s’est installé aux États-Unis avec sa famille en 1923 pour fuir le régime fasciste et les lois anti-juives en Italie. Saarinen a étudié l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture à Londres et à l’École d’Architecture de Yale aux États-Unis. Il a ensuite travaillé pour le cabinet d’architectes de son père, Saarinen, Swanson et Associés, jusqu’à la mort de son père en 1950. Il fonde sa propre agence, Eero Saarinen and Associates, en 1950 et continue de travailler jusqu’à sa mort en 1961.

Saarinen était considéré comme une légende car il a révolutionné le domaine de l’architecture avec son utilisation originale et dynamique des éléments structurels et mécaniques. Il a exposé les composants fonctionnels de ses bâtiments, tels que les tuyaux, les conduits et les cadres en acier, et les a célébrés comme des caractéristiques esthétiques. Il utilisait également des couleurs vives et des matériaux transparents pour créer des espaces ludiques et flexibles. Il a été influencé par les idées des architectes modernistes tels que Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe et Buckminster Fuller. Le grand accomplissement de Saarinen a été la conception de l’arche de Gateway à Saint-Louis, qu’il a remportée dans un concours en 1947 et achevée en 1965. L’arche Gateway était une structure monumentale qui symbolisait l’expansion vers l’ouest des États-Unis et l’esprit d’exploration et de découverte. L’arche était faite d’acier inoxydable et avait une hauteur de 630 pieds (192 mètres) et une envergure de 630 pieds (192 mètres). C’était le monument artificiel le plus haut des États-Unis et la plus grande arche du monde.

Les récompenses de Saarinen comprenaient la médaille d’or AIA en 1962, la médaille d’or royale en 1954, et le premier prix d’honneur de l’American Institute of Architects en 1959. Il a également reçu des doctorats honoris causa de plusieurs universités, y compris Princeton, Yale et Michigan. Il était membre de l’American Academy of Arts and Letters, du National Institute of Arts and Letters, et de l’American Academy of Arts and Sciences. Les œuvres clés de Saarinen comprenaient le Centre technique de General Motors à Warren, Michigan (1946-1956), le TWA Flight Center à l’aéroport international John F. Kennedy à New York (1956-1962), le terminal de l’aéroport international Dulles à Washington, D.C. (1958-1962), la patinoire Ingalls à l’université Yale à New Haven, Connecticut (1956-1959), et la chapelle du MIT et l’auditorium Kresge au Massachusetts Institute of Technology à Cambridge, Massachusetts (1950-1955). Il a également conçu la table piédestal populaire, la chaise et la chaise womb pour le fabricant de meubles Knoll.

Saarinen a contribué à l’architecture en créant des bâtiments innovants, expressifs et socialement responsables. Il a remis en question les notions conventionnelles d’architecture et a créé de nouvelles formes et espaces qui reflétaient les besoins et les aspirations changeants de la société. Il a également plaidé pour un développement urbain durable et humaniste et a promu les valeurs de démocratie, de diversité et de culture. Il était l’un des architectes les plus influents et respectés de sa génération, inspirant de nombreux autres à suivre sa vision. Saarinen était parfois controversé parce que ses conceptions étaient souvent radicales et non conventionnelles et faisaient parfois face à l’opposition du public ou des autorités. Le TWA Flight Center a été initialement critiqué pour être trop futuriste et coûteux et pour avoir des problèmes structurels et fonctionnels. L’arche Gateway était également controversée en raison de son impact environnemental et de son symbolisme politique. Certaines de ses conceptions, telles que le bâtiment CBS à New York et l’ambassade des États-Unis à Londres, étaient également accusées d’être trop fades et corporatives.

13. Santiago Calatrava

Santiago Calatrava est un architecte, ingénieur, sculpteur et peintre hispano-suisse reconnu pour ses conceptions innovantes et expressives qui combinent l’art et la technologie. Il a créé des structures emblématiques dans le monde entier, telles que des ponts, des musées, des stades, des gares ferroviaires et des tours, qui ressemblent souvent à des organismes vivants ou à des formes naturelles. Calatrava est considéré comme un architecte néo-futuriste, ce qui signifie qu’il utilise des matériaux avancés et des techniques pour créer des bâtiments dynamiques et visionnaires qui reflètent l’esprit de l’ère moderne. Son expérience influe également sur son style en ingénierie et en sculpture, intégrant des éléments structurels et esthétiques dans ses projets. Il utilise fréquemment du béton blanc, de l’acier et du verre comme matériaux principaux et crée des formes organiques inspirées par des oiseaux, des poissons, des plantes et l’anatomie humaine.

Calatrava est né le 28 juillet 1951 à Benimamet, une ancienne municipalité près de Valence, en Espagne. Il a grandi à Valence et a étudié l’architecture et l’urbanisme à l’Université Polytechnique de Valence, où il a obtenu son diplôme en 1974. Il a également étudié les beaux-arts et a publié deux livres sur l’architecture vernaculaire de Valence et d’Ibiza. En 1975, il a déménagé à Zurich, en Suisse, où il a obtenu un deuxième diplôme en génie civil et un doctorat en architecture de l’École Polytechnique Fédérale de Zurich. Il a établi son propre cabinet d’architecture à Zurich en 1981 et a ensuite ouvert des bureaux à Paris, Valence, New York, Doha et Dubaï. Il est devenu citoyen suisse en 1990 et vit et travaille actuellement à Zurich. Calatrava est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture et de l’ingénierie, ayant reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, tels que la Médaille d’Or de l’Institut des Ingénieurs Structuraux, la Médaille d’Or de l’AIA, le Prix Prince des Asturies pour les Arts, le Prix Européen pour l’Architecture et la Médaille Leonardo da Vinci. Il a également été nommé au Conseil Pontifical pour la Culture par le pape Benoît XVI et a reçu 13 doctorats honorifiques de diverses universités. Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, et il a également créé des sculptures et des peintures qui complètent sa vision architecturale.

Parmi les œuvres principales de Calatrava figurent le pont de l’Alamillo à Séville, en Espagne (1987-1992), qui est un pont à haubans avec un pylône incliné unique ressemblant à une harpe ; le complexe sportif olympique d’Athènes, en Grèce (2001-2004), qui comprend un stade avec un toit rétractable et un vélodrome avec une structure tendue ; la tour Turning Torso à Malmö, en Suède (1999-2005), qui est un gratte-ciel résidentiel se tordant de 90 degrés sur sa hauteur ; le hub de transport du World Trade Center à New York, aux États-Unis (2003-2016), qui est une station de transit avec une canopée ailée qui s’ouvre et se ferme ; et le Musée de demain à Rio de Janeiro, au Brésil (2010-2015), qui est un musée des sciences avec un toit en porte-à-faux qui s’étend sur l’eau. Calatrava a contribué au domaine de l’architecture et de l’ingénierie en créant des structures originales et innovantes qui remettent en question les frontières conventionnelles de la forme et de la fonction. Il a également démontré le potentiel artistique et expressif de l’architecture en utilisant ses bâtiments pour communiquer ses idées et ses émotions. Il a également inspiré de nombreux autres architectes et ingénieurs à explorer de nouvelles possibilités et solutions pour l’environnement construit.

Calatrava a également été confronté à des controverses et des critiques pour son travail, principalement en raison des coûts élevés, des retards, des problèmes techniques et des litiges juridiques qui ont affecté certains de ses projets. Certains de ses clients, critiques et opposants l’ont accusé d’être inefficace, négligent, peu pratique et arrogant. Il a également été poursuivi et condamné pour certains de ses designs défectueux, tels que le toit qui fuit du Palau de les Arts à Valence, le pont glissant sur le Grand Canal à Venise, et les gradins effondrés du centre de congrès à Oviedo.

14. Tadao Ando

Tadao Ando est un architecte autodidacte japonais, réputé pour ses bâtiments minimalistes et en béton qui s’intègrent harmonieusement dans l’environnement naturel. Il est l’un des architectes les plus influents et respectés au monde, ayant remporté de nombreux prix prestigieux, tels que le Prix Pritzker en 1995. Il est aussi peintre et sculpteur, exprimant sa vision artistique à travers l’architecture et ses œuvres. Ando est né à Osaka, Japon, le 13 septembre 1941. Il a grandi dans un Japon d’après-guerre en pleine urbanisation et industrialisation. Dès son jeune âge, il s’est intéressé à l’architecture et a visité de nombreux bâtiments célèbres au Japon et à l’étranger. Il a également travaillé comme boxeur et chauffeur de camion avant de se lancer dans l’architecture comme carrière. Il n’a pas fréquenté d’école d’architecture formelle, mais a étudié par lui-même et suivi des cours par correspondance. Il a fondé son propre cabinet d’architecture à Zurich, Suisse, en 1981, et a par la suite ouvert des bureaux à Paris, France, New York, États-Unis, Doha, Qatar, et Dubaï, EAU. Il est devenu citoyen suisse en 1990 et vit et travaille actuellement à Zurich.

Ando est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture car il a créé de nombreuses structures emblématiques et innovantes qui ont un impact fort sur la société et la culture des lieux où elles sont construites. Il a également contribué au développement de la théorie et de la pratique architecturales et a inspiré de nombreux autres architectes et étudiants. Il possède un style distinctif caractérisé par l’utilisation de béton, de formes géométriques, de lumière naturelle et d’espaces ouverts. Il intègre souvent des éléments de la culture japonaise et de la philosophie zen dans ses conceptions, telles que la simplicité, l’harmonie et la spiritualité. Il porte également une attention particulière aux aspects environnementaux et sociaux de ses projets, cherchant à créer des bâtiments durables et respectueux du contexte et des personnes. Parmi les œuvres clés d’Ando figurent l’Église de la Lumière à Ibaraki, Japon (1989), une chapelle simple avec une ouverture en forme de croix qui laisse entrer la lumière du soleil ; le Logement Rokko à Kobe, Japon (1983-1999), un complexe d’unités résidentielles adaptées à la pente raide de la montagne ; le Musée d’Art Chichu à Naoshima, Japon (2004), un musée souterrain qui expose des œuvres de Claude Monet, James Turrell et Walter De Maria ; la Fondation Pulitzer pour les Arts à St. Louis, États-Unis (2001), un musée et un centre culturel qui intègre l’art et l’architecture ; et la Maison 4×4 à Kobe, Japon (2003), une maison de quatre étages mesurant quatre mètres sur quatre, soit treize pieds sur treize pour la perspective américaine, avec un escalier en colimaçon.

Ando a contribué au domaine de l’architecture en créant des bâtiments originaux et expressifs qui défient les limites conventionnelles de la forme et de la fonction. Il a également démontré le potentiel artistique et créatif de l’architecture, utilisant ses bâtiments comme moyen de communiquer ses idées et émotions. Il a exploré de nouvelles possibilités et solutions pour l’environnement bâti et expérimenté avec différents matériaux, techniques et formes. Il a également collaboré avec des artistes tels qu’Issey Miyake, Antony Gormley et Lang Lang pour créer des projets interdisciplinaires qui combinent architecture, mode, sculpture et musique. Ando a également fait face à certaines controverses et critiques pour son travail, principalement en raison des coûts élevés, des retards, des problèmes techniques et des litiges juridiques survenus dans certains de ses projets. Certains de ses clients, critiques et opposants l’ont accusé d’être peu pratique, arrogant et insensible. Il a également été poursuivi et condamné pour certains de ses designs défectueux, tels que le toit qui fuit du Musée Préfectoral d’Art de Hyogo à Kobe, Japon, les murs fissurés des Jardins de Piccadilly à Manchester, Royaume-Uni, et le plafond effondré de la Punta della Dogana à Venise, Italie.

15. Louis Kahn

Louis Kahn était un architecte américain né en Estonie en 1901 et décédé à New York en 1974. Il est considéré comme l’un des architectes les plus influents du XXe siècle, connu pour son style monumental et monolithique qui combinait des éléments modernes et anciens. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques, tels que l’Institut Salk, le Musée d’Art Kimbell, et le Bâtiment de l’Assemblée Nationale du Bangladesh. Kahn était un architecte moderniste qui rejetait le Style International et cherchait à créer des bâtiments qui exprimaient leur structure, fonction et matériaux. Inspiré par ses voyages dans les ruines antiques de Grèce, d’Italie et d’Égypte, ainsi que par l’architecture industrielle de sa ville natale de Philadelphie, il utilisait des formes géométriques, la lumière naturelle, la brique et le béton pour créer des espaces fonctionnels et spirituels. Kahn est né à Kuressaare, une ville sur l’île de Saaremaa en Estonie, qui faisait alors partie de l’Empire russe. Sa famille a immigré aux États-Unis en 1906 et s’est installée à Philadelphie, où Kahn a grandi. Il est devenu citoyen naturalisé en 1914 et a changé son nom d’Itze-Leib Schmuilowsky pour Louis Kahn. Il a étudié l’architecture à l’Université de Pennsylvanie et a obtenu son diplôme en 1924.

Kahn est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de son approche originale et innovante de la conception et de son influence sur les générations d’architectes. Il était un enseignant et conférencier respecté qui a enseigné à Yale et à l’Université de Pennsylvanie. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, y compris la Médaille d’Or de l’AIA, la Médaille d’Or du RIBA et la Médaille Présidentielle de la Liberté. Il a également été le sujet d’un film documentaire réalisé par son fils Nathaniel Kahn intitulé My Architect. Les grandes réalisations de Kahn ont été sa contribution au développement de l’architecture moderne et la création de certains des bâtiments les plus admirés dans le monde. Il a su combiner sa vision artistique avec son expertise technique et ses valeurs humanistes. Il a conçu des bâtiments qui remplissaient leur fonction, exprimaient leur essence et inspiraient leurs utilisateurs. Il a également travaillé sur des projets sociaux et culturels, tels que le Bâtiment de l’Assemblée Nationale du Bangladesh, symbolisant l’indépendance et l’identité de la nation.

Kahn a également été impliqué dans certaines controverses au cours de sa vie et de sa carrière. Il avait trois familles avec trois femmes différentes, et ses enfants ne se sont rencontrés qu’à ses funérailles. Il a également rencontré des difficultés financières et des problèmes juridiques dus à la mauvaise gestion de ses projets et de son cabinet. Il est décédé d’une crise cardiaque dans une salle de bain à la gare de Penn Station à New York, où il n’a été identifié que par son passeport. Il a laissé derrière lui de nombreuses œuvres inachevées et non construites et un héritage d’excellence architecturale.

16. Richard Meier

Richard Meier est un architecte et artiste américain célèbre, reconnu pour son style distinctif de bâtiments géométriques blancs et son influence sur le modernisme. Né à Newark, New Jersey, le 12 octobre 1934, il a étudié l’architecture à l’Université Cornell. Il a fondé son propre cabinet à New York en 1963 et est devenu l’une des figures de proue du New York Five, un groupe d’architectes qui prônaient les formes pures et un design rationnel. L’architecture de Richard Meier se caractérise par sa clarté, sa simplicité et son harmonie. Il utilise souvent le blanc comme couleur dominante et emploie des grilles, des plans et des volumes pour créer des structures élégantes et expressives. Il s’inspire des œuvres de Le Corbusier, Mies van der Rohe et Frank Lloyd Wright, mais intègre également sa propre vision artistique et sa sensibilité. Il a conçu divers bâtiments dans différents pays et contextes, tels que des musées, des églises, des hôtels de ville, des bibliothèques, des résidences et des bureaux.

Richard Meier a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses réalisations en architecture, y compris le Prix Pritzker en 1984, la Médaille d’or de l’AIA en 1997, et la Médaille d’or royale en 1988. Il est également membre de l’Institut américain des architectes et de l’Institut royal des architectes britanniques. Il est reconnu comme l’un des architectes les plus influents des XXe et XXIe siècles, et ses œuvres ont été largement exposées et publiées. Parmi les œuvres clés de Richard Meier figurent la Maison Smith à Darien, Connecticut (1967), le High Museum of Art à Atlanta, Géorgie (1983), le Getty Center à Los Angeles, Californie (1997), l’Église du Jubilé à Rome, Italie (2003), et la Tour Rothschild à Tel Aviv, Israël (2016). Il a également conçu des meubles, des sculptures, des peintures et des collages, démontrant sa polyvalence et sa créativité en tant qu’artiste. Il a collaboré avec d’autres artistes, tels que Frank Stella et Elaine Lustig Cohen, et a enseigné et donné des conférences dans diverses universités et institutions.

Richard Meier a contribué au développement et à l’évolution de l’architecture en créant des œuvres originales et innovantes qui reflètent sa vision et sa philosophie personnelles. Il a également influencé et inspiré de nombreux autres architectes et designers qui ont adopté ou adapté son style et ses principes. Il a enrichi le paysage culturel et esthétique des villes et des lieux où ses bâtiments sont situés et a amélioré la qualité et l’expérience des espaces qu’il a créés. Il a également fait face à des controverses et des critiques, notamment en 2018, lorsqu’il a été accusé de harcèlement sexuel par cinq femmes, ce qui a conduit à sa démission de son cabinet.

17. Renzo Piano

Renzo Piano est un architecte et artiste italien connu pour son style distinctif de bâtiments géométriques blancs et son influence sur le modernisme. Né à Gênes, Italie, le 12 octobre 1934, il a étudié l’architecture à l’Université Cornell. Il a fondé son propre cabinet à New York en 1963 et est devenu l’une des figures de proue du New York Five, un groupe d’architectes qui prônaient les formes pures et un design rationnel. L’architecture de Renzo Piano se caractérise par sa clarté, sa simplicité et son harmonie. Il utilise souvent le blanc comme couleur dominante et emploie des grilles, des plans et des volumes pour créer des structures élégantes et expressives. Il s’inspire des œuvres de Le Corbusier, Mies van der Rohe et Frank Lloyd Wright, mais intègre également sa propre vision artistique et sa sensibilité. Il a conçu divers bâtiments dans différents pays et contextes, tels que des musées, des églises, des hôtels de ville, des bibliothèques, des résidences et des bureaux.

Renzo Piano a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses réalisations en architecture, y compris le Prix Pritzker en 1984, la Médaille d’Or RIBA en 1989, le Prix Sonning en 2009, la Médaille d’Or de l’AIA en 2008, et le Prix de Kyoto en 1990. Il est également membre de l’Institut Américain des Architectes et de l’Institut Royal des Architectes Britanniques. Il est reconnu comme l’un des architectes les plus influents des XXe et XXIe siècles, et ses œuvres ont été largement exposées et publiées. Les œuvres clés de Renzo Piano incluent le Centre Georges Pompidou à Paris (avec Richard Rogers, 1977), le Shard à Londres (2012), le Musée Whitney d’Art Américain à New York (2015), la Collection Menil à Houston (1987), le Centre Culturel Jean-Marie Tjibaou à Nouméa (1998), et le Centre Culturel de la Fondation Stavros Niarchos à Athènes (2016). Il a également conçu des meubles, des sculptures, des peintures et des collages, démontrant sa polyvalence et sa créativité en tant qu’artiste. Il a collaboré avec d’autres artistes, tels que Frank Stella et Elaine Lustig Cohen, et a enseigné et donné des conférences dans diverses universités et institutions.

Renzo Piano a contribué au développement et à l’évolution de l’architecture en créant des œuvres originales et innovantes qui reflètent sa vision et sa philosophie personnelles. Il a également influencé et inspiré de nombreux autres architectes et designers qui ont adopté ou adapté son style et ses principes. Il a enrichi le paysage culturel et esthétique des villes et des lieux où ses bâtiments sont situés et a amélioré la qualité et l’expérience des espaces qu’il a créés. Cependant, il a également fait face à certaines controverses et critiques, notamment pour son design du Shard, que certains considèrent comme une tache sur l’horizon de Londres ou un symbole d’inégalité et d’influence étrangère.

18. I.M. Pei

I.M. Pei était un architecte sino-américain connu pour son style moderniste et son utilisation de formes géométriques et d’éléments naturels. Né à Guangzhou, Chine, en 1917, il déménage aux États-Unis en 1935 pour étudier l’architecture. Il est diplômé du MIT et de Harvard, où il a été influencé par le mouvement Bauhaus et son fondateur, Walter Gropius. Il a travaillé pour un promoteur immobilier à New York avant de fonder son propre cabinet en 1955. I.M. Pei a conçu de nombreux bâtiments emblématiques dans le monde, tels que la pyramide de verre du Louvre à Paris, la tour de la Banque de Chine à Hong Kong, le Musée d’art islamique à Doha, et le bâtiment Est de la National Gallery of Art à Washington, D.C. Il a également conçu des institutions culturelles et éducatives, telles que la bibliothèque John F. Kennedy au Massachusetts, le Rock and Roll Hall of Fame dans l’Ohio, et le musée Miho au Japon. Il était loué pour sa sensibilité au contexte et à l’histoire de chaque site et sa capacité à créer une harmonie entre l’ancien et le nouveau.

I.M. Pei était considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de sa longue et prolifique carrière, ses designs originaux et élégants, et son influence sur des générations d’architectes. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, y compris le Prix Pritzker en 1983, la Médaille présidentielle de la liberté en 1993, la Médaille d’or royale en 2010, et la Médaille d’or de l’UIA en 2014. Il était également membre de l’Académie américaine des arts et des lettres, de l’Académie française des beaux-arts et de l’Académie chinoise d’ingénierie. I.M. Pei a contribué au développement de l’architecture en introduisant de nouvelles formes et matériaux, tels que le verre, l’acier et le béton, et en expérimentant avec différentes géométries et structures, telles que les pyramides, les cubes et les triangles. Il a également intégré des éléments de la nature et de la lumière dans ses bâtiments, créant des espaces fonctionnels et esthétiques. Il s’est inspiré de diverses cultures et traditions, telles que les cultures islamique, chinoise et européenne, et a cherché à exprimer leur essence et leur esprit dans son architecture.

I.M. Pei a rencontré des controverses et des défis dans sa carrière, notamment lorsqu’il a conçu des bâtiments contrastant avec l’environnement existant ou rencontré des difficultés techniques. Sa pyramide de verre au Louvre a été initialement critiquée comme une intrusion dans le musée historique et un symbole de l’impérialisme américain. Sa tour Hancock à Boston a souffert de problèmes structurels et a dû être renforcée et réparée. Son hôtel Fragrant Hill à Pékin a été mal construit et entretenu, et n’a pas répondu à ses attentes.

19. Steven Holl

Steven Holl est un architecte américain connu pour utiliser la phénoménologie et les éléments naturels dans ses conceptions. Né à Bremerton, Washington, en 1947, il a grandi à Manchester, Washington. Il a étudié l’architecture à l’Université de Washington et à l’Architectural Association School of Architecture de Londres. Il a fondé son propre cabinet, Steven Holl Architects, à New York en 1977. Steven Holl est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses bâtiments originaux et innovants qui créent une forte connexion entre le site, l’utilisateur et l’environnement. Il a conçu de nombreuses institutions culturelles et éducatives, telles que des musées, des bibliothèques, des écoles, des salles de concert, ainsi que des projets résidentiels et mixtes. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, tels que la médaille Alvar Aalto, la médaille d’or de l’AIA, le Praemium Imperiale et le prix Daylight and Building Component.

Parmi les œuvres clés de Steven Holl figurent le Musée d’Art Contemporain Kiasma à Helsinki, Finlande (1998), l’ajout du Bloch Building au Nelson-Atkins Museum of Art à Kansas City, Missouri (2007), le complexe Linked Hybrid à Pékin, Chine (2009), l’extension REACH du John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington, D.C. (2019), et le Rubenstein Commons à l’Institute for Advanced Study à Princeton, New Jersey (2022). Il a conçu ces bâtiments avec un style distinctif et une attention particulière au contexte, au programme et à la matérialité. Steven Holl a contribué au développement de l’architecture en introduisant de nouveaux concepts et méthodes, tels que l’idée de « porosité », l’utilisation de croquis à l’aquarelle, et l’intégration de la lumière naturelle et de la durabilité. Il a également exploré différentes géométries et structures, telles que les courbes, les vides et les ponts, et a expérimenté avec des matériaux comme le verre, le béton et le bois. Il s’est inspiré de diverses sources, telles que la philosophie, l’art, la musique et la littérature, et a cherché à exprimer leur essence et leur signification dans son architecture.

Steven Holl a rencontré des controverses et des défis dans sa carrière, notamment lorsqu’il a conçu des bâtiments non conventionnels ou confrontés à des difficultés techniques ou politiques. Certains ont critiqué son musée Kiasma comme étant trop abstrait et déplacé dans le centre historique de la ville. Son complexe Linked Hybrid a été accusé d’être trop isolé et élitiste dans le tissu urbain dense. Son extension REACH a été retardée et modifiée en raison de contraintes budgétaires et de préoccupations de sécurité.

20. Philip Johnson

Philip Johnson était un architecte et critique américain qui a joué un rôle significatif dans le façonnement des mouvements moderne et postmoderne en architecture. Né à Cleveland, Ohio, en 1906 et décédé à New Canaan, Connecticut, en 2005, il a vécu la majeure partie de sa vie dans sa célèbre Glass House, qu’il a conçue et construite en 1949. Johnson a étudié la philosophie et les classiques à l’Université Harvard, où il a obtenu son diplôme en 1930. Il est ensuite devenu le premier directeur du Département d’Architecture et de Design au Museum of Modern Art (MoMA) à New York, où il a organisé des expositions influentes et promu le Style International de l’architecture moderne. Il est retourné à Harvard en 1940 pour étudier l’architecture avec Marcel Breuer et est devenu architecte praticien après la Seconde Guerre mondiale.

Johnson est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses conceptions diverses et innovantes, de ses écrits et enseignements influents, et de son mécénat d’autres architectes. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques, tels que le Seagram Building à New York (avec Ludwig Mies van der Rohe), le bâtiment AT&T à New York, la Crystal Cathedral en Californie, et le PPG Place à Pittsburgh. Il a également mentoré et soutenu de jeunes architectes tels que Robert Venturi, Michael Graves et Frank Gehry. Johnson a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, y compris la Médaille d’or de l’Institut américain des architectes en 1978 et le premier Prix d’architecture Pritzker en 1979. Il était également membre de l’Académie américaine des arts et des lettres, de l’Académie américaine des arts et des sciences et de l’Institut royal des architectes britanniques.

Johnson était également controversé pour ses opinions politiques et affiliations, notamment dans ses premières années. Il a été sympathisant du fascisme et du nazisme et a exprimé son admiration pour Adolf Hitler et Benito Mussolini. Il a également assisté à des rassemblements nazis en Allemagne et a tenté de créer un parti fasciste aux États-Unis. Il a plus tard renoncé à ses vues fascistes et s’est excusé pour ses actions, mais son héritage reste entaché par son implication avec l’extrême droite.

21. Norman Foster

Norman Foster est un architecte britannique connu pour ses bâtiments modernes épurés en acier et en verre. Il est l’un des architectes les plus influents et prolifiques des 20e et 21e siècles et a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail. Il est également un pionnier du design durable et de l’urbanisme. Norman Foster est né à Manchester, Angleterre, en 1935. Issu d’une famille ouvrière, il s’est intéressé très tôt à l’architecture et à l’ingénierie. Il a étudié l’architecture à l’Université de Manchester puis a remporté une bourse pour l’Université de Yale aux États-Unis, où il a obtenu une maîtrise en architecture. Il est retourné en Angleterre en 1963 et a fondé son propre cabinet, Foster Associates, qui est devenu par la suite Foster and Partners.

Norman Foster est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses conceptions innovantes et diverses, de son approche visionnaire et futuriste, et de son impact sur le paysage mondial. Il a conçu de nombreux bâtiments et structures emblématiques, tels que l’aéroport international de Hong Kong, le Reichstag à Berlin, le Millennium Bridge à Londres, la Hearst Tower à New York, le Gherkin à Londres, l’Apple Park en Californie, et le Viaduc de Millau en France. Il a également créé des plans directeurs pour des villes et des régions, comme la ville de Masdar à Abou Dhabi, le Thames Hub au Royaume-Uni, et la région de la Greater Bay en Chine. Norman Foster a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, y compris le Prix Pritzker d’Architecture en 1999, la Médaille Royale d’Or pour l’Architecture en 1983, la Médaille d’Or de l’Institut Américain des Architectes pour l’Architecture en 1994, et le Prix Aga Khan pour l’Architecture en 2007. Il a également été anobli par la reine Élisabeth II en 1990 et a été fait pair à vie en 1999, devenant ainsi Lord Foster de Thames Bank. Il est membre de plusieurs académies et institutions prestigieuses, telles que la Royal Academy of Arts, l’Académie Américaine des Arts et des Sciences, et l’Ordre du Mérite.

Norman Foster a contribué au domaine de l’architecture en faisant avancer l’utilisation de la technologie, des matériaux et de l’ingénierie dans ses conceptions. Il a également promu les concepts de durabilité, d’écologie et de responsabilité sociale dans ses projets. Il a influencé et inspiré de nombreux autres architectes et designers, tels que Zaha Hadid, Richard Rogers et Thomas Heatherwick. Il s’est également impliqué dans l’éducation et la philanthropie, enseignant dans diverses universités et soutenant diverses causes et œuvres de charité. Il est le fondateur et président de la Norman Foster Foundation, qui vise à promouvoir la pensée et la recherche interdisciplinaires en architecture, design et urbanisme.

22. Julia Morgan

Julia Morgan était une architecte et ingénieure américaine qui a conçu plus de 700 bâtiments en Californie au cours d’une longue et prolifique carrière. Elle est surtout connue pour son travail sur le Hearst Castle à San Simeon, en Californie. Julia Morgan a été une pionnière du mouvement Arts and Crafts, qui mettait l’accent sur l’utilisation de matériaux naturels, l’artisanat et l’harmonie avec l’environnement. Elle a également expérimenté avec le béton armé, qui a démontré une performance sismique supérieure lors des tremblements de terre de 1906 et 1989. Elle cherchait à réconcilier le classique et le Craftsman, la bourse et l’innovation, le formalisme et la fantaisie.

Julia Morgan est née le 20 janvier 1872 à San Francisco, en Californie, et a grandi dans la ville voisine d’Oakland. Elle était la deuxième enfant de Charles Bill et Eliza Parmelee Morgan, une famille aisée et bien connectée. Elle a obtenu un diplôme en génie civil de l’Université de Californie à Berkeley en 1894 et est devenue la première femme à être admise au programme d’architecture de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts à Paris en 1898. Elle est retournée en Californie en 1902 et a ouvert son propre bureau d’architecture à San Francisco en 1904, devenant la première femme architecte licenciée en Californie. Elle est décédée à San Francisco le 2 février 1957. Julia Morgan est considérée comme une légende pour ses réalisations remarquables en tant que femme dans une profession dominée par les hommes et pour ses contributions durables au patrimoine architectural de la Californie. Elle a conçu de nombreux édifices pour des institutions au service des femmes et des filles, tels que l’Association chrétienne des jeunes femmes (YWCA) et le Mills College. Elle a également travaillé pour des clients influents tels que William Randolph Hearst, qui l’a chargée de concevoir son somptueux domaine, Hearst Castle, dont la construction a duré 28 ans. Elle était respectée pour son professionnalisme, sa créativité, sa polyvalence et sa capacité à s’adapter à différents styles, sites et budgets.

Julia Morgan a reçu de nombreux honneurs et prix pour son travail de son vivant et à titre posthume. Elle a été élue Fellow de l’Institut américain des architectes (AIA) en 1921 et a reçu des diplômes honorifiques de l’Université de Californie et du Mills College. Elle a également été décorée Chevalier de la Légion d’Honneur par le gouvernement français en 1924. En 2014, elle est devenue la première femme à recevoir la Médaille d’Or de l’AIA, la plus haute distinction de l’institut, pour son excellence architecturale.

23. Charles And Ray Eames

Charles et Ray Eames étaient un couple marié de designers américains qui ont travaillé ensemble dans divers domaines du design, tels que l’architecture, le mobilier, l’industriel, le graphique et le cinéma. Ils sont nés au début du 20e siècle et sont décédés à la fin de ce même siècle. Ils sont considérés comme des légendes pour leurs conceptions innovantes et influentes qui ont façonné la manière dont les gens vivent, travaillent et se divertissent. Charles Eames était un architecte de formation et a conçu des décors de cinéma, des produits et des expositions. Il a étudié l’architecture à l’Université Washington à St. Louis, Missouri, mais a quitté après deux ans en raison de son intérêt pour le travail de Frank Lloyd Wright. Il est ensuite devenu le chef du département de design expérimental à la Cranbrook Academy of Art dans le Michigan, où il a rencontré et collaboré avec d’autres designers éminents, tels que Eero Saarinen et Harry Bertoia. Il a également rencontré Ray Kaiser, une peintre qui a étudié avec Hans Hofmann à New York. Ils se sont mariés en 1941 et ont déménagé en Californie, où ils ont établi leur propre bureau de design.

Ray Eames était une peintre et graphiste qui a également contribué aux designs de meubles, textiles et expositions du bureau Eames. Elle avait un œil aiguisé pour la couleur, le motif et le détail, et supervisait souvent la production et la présentation de leur travail. Elle a également co-réalisé et monté de nombreux films produits par les Eames, tels que Powers of Ten, un documentaire explorant l’échelle de l’univers. Les Eames sont surtout connus pour leurs designs de meubles, qui combinent beauté, confort, élégance et durabilité. Ils ont expérimenté avec de nouveaux matériaux et techniques, tels que le contreplaqué moulé, la fibre de verre et le plastique. Certains de leurs pièces les plus emblématiques sont le fauteuil lounge Eames et son ottoman, la chaise moulée en plastique Eames et la chaise en fil de fer Eames. Ils ont également conçu de nombreux autres produits, tels que des jouets, des jeux, des horloges et des radios.

Les Eames ont également conçu de nombreux bâtiments et expositions, tels que la maison Eames, leur résidence à Pacific Palisades, en Californie, un jalon de l’architecture moderne. Ils ont également créé le pavillon IBM pour l’Exposition universelle de New York en 1964, l’exposition Mathematica pour le Musée de la Science et de l’Industrie de Californie, et le rapport sur l’Inde, une proposition pour établir l’Institut National de Design en Inde. Les Eames ont contribué au domaine de l’architecture et du design en créant des solutions fonctionnelles, esthétiques et humanistes pour divers problèmes et besoins. Ils ont également influencé des générations de designers et d’architectes avec leur philosophie du design comme un mode de vie, un processus d’apprentissage et de découverte, et une source de joie et de plaisir. Ils ont changé l’industrie de l’architecture et du design en introduisant de nouveaux matériaux, méthodes et formes et en collaborant avec d’autres disciplines et cultures. Ils n’étaient pas controversés mais plutôt respectés et admirés par leurs pairs et le public.

24. Jeanne Gang

Jeanne Gang est une architecte américaine et la fondatrice et dirigeante de Studio Gang, une agence d’architecture et de design urbain avec des bureaux à Chicago, New York, San Francisco et Paris. Elle est connue pour ses conceptions innovantes et durables qui répondent aux enjeux environnementaux et sociaux. Son bâtiment le plus célèbre est l’Aqua Tower, un gratte-ciel de 82 étages à Chicago qui se distingue par une façade ondulée et des balcons créant des vues et des habitats différents pour les résidents. Jeanne Gang est une architecte contemporaine qui travaille à diverses échelles et typologies, allant des gratte-ciels et musées aux projets civiques et culturels. Elle utilise le design comme un moyen de connecter les gens entre eux, à leurs communautés et à l’environnement. Elle explore également de nouveaux matériaux et technologies, tels que le bois lamellé-croisé et le béton solaire, pour créer des structures plus efficaces et expressives. Parmi ses œuvres clés figurent le St. Regis Chicago, le Gilder Center for Science, Education, and Innovation au American Museum of Natural History à New York, et la nouvelle ambassade des États-Unis à Brasilia.

Jeanne Gang est née à Belvidere, Illinois, le 19 mars 1964. Elle a grandi dans une petite ville et a développé un intérêt pour l’architecture grâce à son père, qui était ingénieur. Elle a obtenu un diplôme de licence en architecture à l’Université de l’Illinois en 1986, puis a étudié le design urbain à l’ETH Zurich en Suisse en tant que boursière de la Fondation Rotary. Elle a également étudié à l’École nationale supérieure d’architecture de Versailles en France. Elle a obtenu une maîtrise en architecture à l’Université Harvard en 1993, où elle a également travaillé comme professeure praticienne. Jeanne Gang est considérée comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses réalisations et de sa reconnaissance. Elle a remporté de nombreux prix, notamment la bourse MacArthur en 2011, le National Design Award for Architecture en 2013, le prix de la Femme Architecte de l’Année en 2016 et le prix Charlotte Perriand en 2023. Elle a également été classée parmi les 100 personnes les plus influentes du Time Magazine en 2019 et Innovatrice de l’Année en Architecture par le magazine Surface en 2022. Elle a influencé de nombreux jeunes architectes et étudiants grâce à sa vision et son leadership.

Les conceptions de Jeanne Gang ont abordé des questions telles que le changement climatique, la densité urbaine, la biodiversité, l’équité sociale et la santé publique. Elle a également plaidé pour l’égalité des sexes et la diversité dans la profession et a comblé l’écart salarial entre les sexes dans son studio. Elle a démontré que l’architecture peut être un outil puissant pour un changement positif dans le monde.

25. Oscar Niemeyer

Oscar Niemeyer était un architecte brésilien qui a joué un rôle clé dans le développement de l’architecture moderne. Il est connu pour la conception de bâtiments civiques pour Brasília, la nouvelle capitale du Brésil, ainsi que pour sa collaboration avec d’autres architectes au siège des Nations Unies à New York. Il était également célèbre pour l’utilisation de formes abstraites et de courbes inspirées par le paysage naturel et le corps humain. Niemeyer était un architecte contemporain qui travaillait à diverses échelles et typologies, des gratte-ciels et musées aux projets civiques et culturels. Il utilisait le design comme un moyen de connecter les gens entre eux, avec leurs communautés et leur environnement. Il explorait également de nouveaux matériaux et technologies, tels que le béton armé et le bois lamellé-croisé, pour créer des structures plus efficaces et expressives. Parmi ses œuvres clés figurent la Cathédrale de Brasília, l’Édifice Copan, le Musée d’Art Moderne à Caracas et le Musée d’Art Contemporain de Niterói.

Niemeyer est né le 15 décembre 1907 à Rio de Janeiro, au Brésil. Il a grandi dans une petite ville et a développé un intérêt pour l’architecture grâce à son père, qui était ingénieur. Il a étudié l’architecture à l’École Nationale des Beaux-Arts de Rio de Janeiro, où il a obtenu son diplôme en 1934. Il a ensuite travaillé comme dessinateur pour des cabinets d’architectes locaux et a fait un stage avec Lúcio Costa, avec qui il a collaboré sur plusieurs projets. Il a également étudié le design urbain à l’ETH Zurich en Suisse et à l’École nationale supérieure d’architecture de Versailles en France. Il a obtenu une maîtrise en architecture de l’Université Harvard en 1993, où il a plus tard enseigné comme professeur. Il a vécu et travaillé à Rio de Janeiro jusqu’à sa mort le 5 décembre 2012, à l’âge de 104 ans. Niemeyer est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses réalisations et de sa reconnaissance. Il a remporté de nombreux prix, notamment le Prix Lénine pour la Paix en 1963, le Prix Pritzker d’Architecture en 1988, le Prix Prince des Asturies pour les Arts en 1989, la Médaille d’Or Royale du RIBA en 1998, et le Praemium Imperiale en 2004. Il a influencé de nombreux jeunes architectes et étudiants grâce à sa vision et son leadership.

Les designs de Niemeyer ont abordé des questions telles que le changement climatique, la densité urbaine, la biodiversité, l’équité sociale et la santé publique. Il a également plaidé pour l’égalité des sexes et la diversité dans la profession et a comblé l’écart salarial entre les sexes dans son studio. Il a montré que l’architecture peut être un outil puissant pour un changement positif dans le monde. Il a également transformé l’industrie de l’architecture en introduisant de nouvelles formes et styles qui défiaient les conventions et la rationalité. Il était parfois controversé pour ses opinions politiques et ses choix esthétiques, mais il a toujours défendu ses idéaux et sa créativité.

26. Alvar Aalto

Alvar Aalto était un architecte et designer finlandais largement considéré comme l’un des pionniers de l’architecture et du design modernes. Né le 3 février 1898 à Kuortane, en Finlande, il est décédé le 11 mai 1976 à Helsinki, en Finlande. Il a étudié l’architecture à l’Université de Technologie d’Helsinki de 1916 à 1921 et a ouvert son propre cabinet en 1923. En 1925, il a épousé Aino Marsio, également architecte et collaboratrice, puis s’est marié avec Elissa Mäkiniemi, une autre architecte, en 1952. Il avait deux enfants, Johanna et Hamilkar. Le style architectural d’Aalto a été influencé par le mouvement moderniste international, mais aussi par son expression personnelle et le contexte finlandais. Il a créé des bâtiments fonctionnels et esthétiques en utilisant des formes organiques, des matériaux naturels et des détails humanistes. Il concevait à la fois les bâtiments, les intérieurs, les meubles, les lampes, les objets en verre et les sculptures, créant ainsi une œuvre d’art totale. Il a également expérimenté de nouvelles techniques et matériaux, comme le contreplaqué moulé, qu’il utilisait pour concevoir des meubles innovants.

Les réalisations d’Aalto couvraient divers domaines et échelles, des maisons privées aux bâtiments publics, de l’urbanisme au design industriel. Il a conçu plus de 400 bâtiments en Finlande et à l’étranger, ainsi que plus de 200 meubles et objets. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent le sanatorium de Paimio (1929-1933), la bibliothèque de Viipuri (1927-1935), la Villa Mairea (1938-1939), l’hôtel de ville de Säynätsalo (1949-1952), la Baker House (1946-1949) et le Finlandia Hall (1967-1971). Il a également conçu le vase Savoy (1936) et la chaise Paimio (1931-1932), considérés comme des icônes du design moderne. La contribution d’Aalto à l’architecture et au design a été reconnue au niveau international et national. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, tels que la Médaille Prince Eugène (1954), la Médaille d’or du RIBA (1957), la Médaille d’or de l’AIA (1963) et l’Ordre de la Rose Blanche de Finlande (1967). Il a également participé à de nombreuses expositions et compétitions et a été membre fondateur du Congrès International d’Architecture Moderne (CIAM) et de l’Union Internationale des Architectes (UIA). Il a enseigné et donné des conférences dans de nombreuses universités et institutions, influençant plusieurs générations d’architectes et de designers.

L’héritage d’Aalto est encore évident aujourd’hui, car ses bâtiments et objets sont admirés et préservés par de nombreuses personnes. Il est considéré comme une légende pour ses compétences artistiques et techniques, ainsi que pour sa vision humaniste et écologique. Il croyait que l’architecture devait répondre aux besoins et aspirations des gens et respecter l’environnement naturel et culturel.

27. Eileen Gray

Eileen Gray était une architecte et designer irlandaise qui est devenue une pionnière du mouvement moderne en architecture. Née en 1878 dans le comté de Wexford, en Irlande, elle est décédée en 1976 à Paris, en France. Elle a étudié la peinture à la Slade School of Fine Art à Londres, ainsi que le laque et l’ébénisterie à Paris. Elle a ouvert son propre studio en 1922, où elle concevait et produisait des meubles, des lampes, des tapis et d’autres objets. Elle a expérimenté de nouveaux matériaux et techniques, tels que l’acier tubulaire et le contreplaqué. Le style architectural de Gray était influencé par le mouvement moderniste international, son expression personnelle et les contextes irlandais et français. Elle a créé des bâtiments fonctionnels et esthétiques en utilisant des formes organiques, des matériaux naturels et des détails humanistes. Elle concevait les bâtiments, les intérieurs et les meubles, créant ainsi une œuvre d’art totale. Elle a collaboré avec d’autres architectes et artistes comme Jean Badovici, Le Corbusier et Adrienne Gorska.

Les réalisations de Gray couvraient divers domaines et échelles, des maisons privées aux bâtiments publics, de la planification urbaine au design industriel. Elle a conçu plus de 20 bâtiments en France et au Maroc, ainsi que plus de 200 meubles et objets. Ses œuvres les plus célèbres incluent la maison E-1027, la maison Tempe a Païa, la chaise Bibendum, la table E-1027 et la chaise Transat. Elle a également conçu le bâtiment Monte Carlo, la maison Lou Pérou et le Centre des Vacances. La contribution de Gray à l’architecture et au design a été reconnue à l’échelle internationale et nationale. Elle a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le Grand Prix National de la Création Industrielle, la Médaille d’Or Royale et l’Ordre des Arts et des Lettres. Elle a également participé à de nombreuses expositions et compétitions et influencé plusieurs générations d’architectes et de designers. Elle est considérée comme une légende pour ses compétences artistiques et techniques ainsi que pour sa vision humaniste et écologique. Elle croyait que l’architecture devait répondre aux besoins et aspirations des gens et respecter l’environnement naturel et culturel.

L’héritage de Gray est encore visible aujourd’hui, car ses bâtiments et objets sont admirés et préservés par beaucoup. Elle est considérée comme l’une des plus importantes designers de meubles et architectes du début du 20e siècle. Elle a également été l’une des premières femmes à étudier à la Slade, à travailler avec le laque et à concevoir des bâtiments modernistes. Elle était une pionnière qui s’est imposée dans le monde hostile et centré sur les hommes du Modernisme. Elle était également une personne timide et réservée, évitant l’autopromotion et la publicité.

28. Rem Koolhaas

Rem Koolhaas est un architecte, urbaniste et écrivain néerlandais connu pour ses conceptions et théories innovantes et provocantes. Il est le fondateur de l’Office for Metropolitan Architecture (OMA), un cabinet mondial qui a créé de nombreux bâtiments et plans directeurs emblématiques à travers le monde. Il est également professeur à l’Université Harvard et auteur prolifique de livres et d’essais sur l’architecture et l’urbanisme. Rem Koolhaas est souvent considéré comme un architecte moderniste ou déconstructiviste, mais il ne se conforme à aucun style ou mouvement unique. Il préfère explorer différentes idées et concepts dans chaque projet, remettant parfois en question les conventions et attentes de l’architecture. Il s’intéresse également aux aspects sociaux, culturels et politiques de la ville contemporaine et à la manière dont l’architecture peut y répondre.

Rem Koolhaas est né à Rotterdam, aux Pays-Bas, le 17 novembre 1944. Il a passé une partie de son enfance en Indonésie, où son père était conseiller culturel. Il est retourné aux Pays-Bas en 1955 et a ensuite étudié l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture à Londres et à l’Université Cornell à New York. Il a également travaillé comme journaliste et scénariste avant de fonder OMA en 1975. Rem Koolhaas est considéré comme l’un des architectes les plus influents et originaux de sa génération. Il a reçu de nombreuses récompenses prestigieuses, notamment le Prix Pritzker en 2000, le Praemium Imperiale en 2003, la Médaille d’Or Royale en 2004 et le Lion d’Or pour l’ensemble de sa carrière à la Biennale de Venise en 2010. Il a également été nommé parmi les 100 personnes les plus influentes par le magazine Time en 2008 et parmi les 25 personnes les plus influentes dans le monde de l’architecture par Architectural Digest en 2016.

Rem Koolhaas a conçu de nombreuses œuvres majeures qui ont façonné le discours et la pratique architecturaux du XXIe siècle. Parmi ses projets les plus notables figurent le siège de la CCTV à Pékin, la bibliothèque centrale de Seattle, la Casa da Música à Porto, l’ambassade des Pays-Bas à Berlin, le Garage Museum of Contemporary Art à Moscou et la Qatar National Library. Il a également organisé des expositions, comme la Biennale de Venise 2014, et écrit des livres influents, tels que Delirious New York, S, M, L, XL et Elements of Architecture.

29. Antoni Gaudí

Antoni Gaudí était un architecte et designer catalan d’Espagne, connu comme le plus grand représentant du modernisme catalan. Né en 1852 à Reus ou Riudoms, deux villes voisines de Catalogne, le lieu exact de sa naissance reste inconnu et a suscité des controverses. Il a étudié l’architecture à l’École d’Architecture de l’Architectural Association à Londres et à l’Université Cornell à New York. Il est retourné à Barcelone en 1878 et a commencé sa carrière en tant qu’architecte. Antoni Gaudí a développé un style distinctif influencé par ses passions pour la nature, la religion et l’art. Il utilisait des formes organiques, des formes géométriques et des matériaux colorés pour créer des bâtiments innovants et expressifs qui défiaient les conventions architecturales. Il a également expérimenté de nouvelles techniques et technologies, telles que la courbe caténaire, le mosaïque trencadís et la structure hyperboloïde. Il a intégré divers métiers d’artisanat, tels que la céramique, le vitrail, la ferronnerie et la menuiserie, dans ses conceptions architecturales.

Antoni Gaudí est considéré comme une légende en raison de son originalité, de sa créativité et de sa vision. Il a conçu certains des bâtiments les plus emblématiques et admirés de Barcelone, tels que la Sagrada Família, la Casa Milà, la Casa Batlló, le Parc Güell et le Palais Güell. Il a également travaillé sur des projets en dehors de Barcelone, tels que l’église de la Colònia Güell, le Palais Épiscopal d’Astorga et la Casa Botines. Sept de ses œuvres ont été reconnues comme patrimoine mondial par l’UNESCO. Il a également reçu divers prix et distinctions, tels que la Médaille d’Or du Royal Institute of British Architects, la Médaille d’Or de la Ville de Barcelone et une nomination pour le prix Nobel de littérature. Antoni Gaudí a contribué au développement de l’architecture et de la culture en Catalogne et au-delà. Il était un leader du mouvement moderniste, qui visait à revitaliser l’identité et l’art catalans grâce à un style distinctif et moderne. Il a également influencé de nombreux autres architectes et artistes, tels que Salvador Dalí, Joan Miró, Frank Lloyd Wright et Friedensreich Hundertwasser. Il a été un pionnier de l’architecture organique, qui combine les structures humaines avec les environnements naturels. Il était aussi un visionnaire qui a anticipé des concepts et des tendances de l’architecture contemporaine, comme la biomimétique, la durabilité et le design paramétrique.

Antoni Gaudí est décédé en 1926 après avoir été heurté par un tramway. Il a été enterré dans son chef-d’œuvre inachevé, dans la crypte de la Sagrada Família. Il a consacré les dernières années de sa vie à ce projet, qu’il considérait comme sa mission spirituelle. Il a laissé derrière lui des plans et des maquettes détaillés, mais a également donné aux futurs architectes la liberté de continuer son travail selon leur inspiration. La construction de la Sagrada Família est toujours en cours et devrait être achevée en 2026, pour le centenaire de sa mort. La Sagrada Família a été controversée, certains critiques ayant remis en question son authenticité, son esthétique et son impact. Cependant, elle reste l’un des monuments les plus populaires et admirés au monde, attirant des millions de visiteurs chaque année.

30. Daniel Libeskind

Daniel Libeskind est un architecte, artiste, professeur et scénographe polono-américain. Il est connu pour introduire des idées et des émotions complexes dans ses créations, souvent avec une angularité frappante qui semble défier la gravité. Il est considéré comme un acteur clé du déconstructivisme, un style d’architecture postmoderne caractérisé par la fragmentation et la distorsion. Libeskind est né à Łódź, en Pologne, en 1946, de parents juifs polonais survivants de l’Holocauste. Il a d’abord étudié la musique au Conservatoire de Łódź avant de déménager à New York en 1960 grâce à une bourse musicale. Il s’est ensuite tourné vers l’architecture et a obtenu son diplôme de la Cooper Union en 1970. Il a également reçu un diplôme de troisième cycle en histoire et théorie de l’architecture de l’Université d’Essex en 1972.

Le premier projet majeur de Libeskind fut le Musée juif de Berlin, inauguré en 2001. Le musée est une structure en zigzag qui symbolise l’histoire et la culture du peuple juif en Allemagne. Le musée comporte également une série de vides et d’espaces vides qui représentent l’absence et la perte causées par l’Holocauste. Ce projet a reçu une reconnaissance internationale et a établi Libeskind comme un architecte de premier plan. Libeskind a conçu de nombreux autres bâtiments notables dans le monde entier, tels que l’extension du Denver Art Museum, le Grand Canal Theatre à Dublin, l’Imperial War Museum North à Manchester, le Michael Lee-Chin Crystal au Royal Ontario Museum à Toronto, le plan directeur du One World Trade Center à New York, et le complexe résidentiel Reflections à Singapour. Son travail couvre divers types et échelles, des musées et centres culturels aux gratte-ciels et développements urbains.

Libeskind a également reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, tels que le Prix d’Art de Hiroshima, la Médaille Goethe, le Prix Européen d’Architecture et la Médaille d’Honneur de l’Institut Américain des Architectes. Il a publié plusieurs livres, tels que Breaking Ground: An Immigrant’s Journey from Poland to Ground Zero, Edge of Order, et Through the Lens of Faith. Il a également enseigné dans plusieurs universités, notamment Harvard, Yale, Columbia et l’Université de Pennsylvanie. Le travail de Libeskind a également été controversé, certains critiques et clients ayant remis en question ses conceptions pour être trop radicales, impraticables ou insensibles. Son design initial pour le site du World Trade Center a fait face à une opposition de certaines parties prenantes et a finalement été modifié par d’autres architectes. Sa proposition pour le Boerentoren à Anvers a déclenché un débat sur la préservation de la tour historique. Son design pour le centre de construction de la paix Maze en Irlande du Nord a été critiqué pour ne pas refléter les complexités du conflit.

31. Ludwig Mies Van Der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe était un architecte, universitaire et designer d’intérieur germano-américain. Il fut l’un des pionniers de l’architecture moderne et du style international, un mouvement qui mettait l’accent sur la simplicité, la fonctionnalité et la rationalité dans le design. Il fut également le dernier directeur du Bauhaus, une célèbre école d’art, de design et d’architecture en Allemagne. Mies est né à Aix-la-Chapelle, en Allemagne, en 1886. Il a commencé sa carrière comme tailleur de pierre dans l’atelier de son père, puis a travaillé comme apprenti pour plusieurs architectes, notamment Peter Behrens. Il n’a pas reçu de formation formelle en architecture mais a appris par la pratique et l’auto-apprentissage. Il a déménagé à Berlin en 1905, où il a établi son bureau et s’est impliqué dans la scène culturelle d’avant-garde. Il a changé son nom de Maria Ludwig Michael Mies à Ludwig Mies van der Rohe, ajoutant le nom de jeune fille de sa mère et le préfixe néerlandais « van der » pour se donner une identité plus distinguée et internationale.

Mies a conçu de nombreux bâtiments innovants et influents en Europe et en Amérique. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent le Pavillon de Barcelone (1929), une structure minimaliste et élégante construite pour l’Exposition Internationale en Espagne ; la Maison Tugendhat (1930), une villa moderniste à Brno, en République tchèque, avec une grande paroi de verre et un plan ouvert ; la Farnsworth House (1951), une maison en acier et verre dans l’Illinois, USA, surélevée au-dessus du sol et entourée par la nature ; le Seagram Building (1958), un gratte-ciel à New York, USA, qui fut l’un des premiers exemples de mur-rideau et d’utilisation du bronze comme matériau ; et la Nouvelle Galerie Nationale (1968), un musée à Berlin, Allemagne, composé d’une boîte transparente en verre soutenue par un cadre en acier. Mies a contribué au développement de l’architecture de nombreuses façons. Il a introduit de nouveaux concepts et techniques, tels que l’utilisation de matériaux industriels, l’expression de la structure, l’intégration des espaces intérieurs et extérieurs, et la création de systèmes universels et modulaires. Il a également développé une esthétique distinctive basée sur les principes de « moins, c’est plus » et « Dieu est dans les détails ». Il a influencé de nombreux autres architectes, tels que Philip Johnson, Eero Saarinen, I.M. Pei et Richard Meier. Il a également enseigné dans plusieurs universités, notamment l’Institut de Technologie de l’Illinois, où il a conçu le campus et le célèbre Crown Hall.

Mies a également été controversé, certains critiques et clients ayant remis en question ses conceptions, les trouvant trop froides, abstraites ou élitistes. Il a dû faire face à des difficultés politiques et sociales, telles que la montée du nazisme en Allemagne, qui l’a contraint à émigrer aux États-Unis en 1938, et la dégradation urbaine et les troubles sociaux à Chicago, où il a vécu et travaillé pendant la majeure partie de sa carrière. Il a également eu des problèmes personnels, tels que son divorce d’avec son épouse Ada, sa liaison avec sa cliente Edith Farnsworth, et ses problèmes de santé dans ses dernières années. Il est décédé à Chicago en 1969 à l’âge de 83 ans.

32. Moshe Safdie

Moshe Safdie est un architecte, urbaniste, éducateur, théoricien et auteur célèbre. Il est né à Haïfa, en Israël, le 14 juillet 1938. Il a déménagé au Canada avec sa famille à l’âge de 15 ans. Il a étudié l’architecture à l’Université McGill à Montréal et a développé son projet de thèse, Habitat 67, qui est devenu un emblème de l’Exposition universelle de 1967. Safdie est connu pour sa philosophie de conception innovante et socialement responsable, visant à créer des environnements humanistes et durables qui répondent au contexte culturel, historique et environnemental. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques et plans directeurs dans le monde entier, tels que le Marina Bay Sands et le Jewel Changi Airport à Singapour, le Crystal Bridges Museum of American Art en Arkansas, le musée d’histoire de l’Holocauste Yad Vashem à Jérusalem et le Virasat-e-Khalsa en Inde.

Safdie a reçu de nombreuses distinctions et récompenses pour ses contributions à l’architecture et à la société, telles que le titre de Compagnon de l’Ordre du Canada, la Médaille d’or de l’Institut royal d’architecture du Canada et de l’Institut américain des architectes, le National Design Award pour l’ensemble de sa carrière décerné par le Cooper Hewitt Smithsonian, et le Prix Wolf en architecture. Il a également été professeur à Harvard, Yale, McGill et l’Université Ben-Gourion. Il a écrit plusieurs livres et articles sur l’architecture et l’urbanisme. Safdie est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture pour avoir créé certaines des œuvres les plus influentes et originales des 20e et 21e siècles. Il a défié les normes et paradigmes conventionnels de l’architecture et du design urbain et a exploré de nouvelles formes, matériaux, technologies et typologies. Il a également été un visionnaire et un leader dans le traitement des enjeux sociaux, environnementaux et culturels de notre époque. Il a inspiré des générations d’architectes et d’étudiants par ses idées et ses projets.

Safdie est toujours actif et travaille sur divers projets à travers le monde. Il est le fondateur et directeur de Safdie Architects, une pratique mondiale basée à Boston, Massachusetts, avec des bureaux à Jérusalem, Singapour et Shanghai. Il détient la citoyenneté israélienne, canadienne et américaine. Il vit avec son épouse, Michal Ronnen, photographe et artiste, et a quatre enfants et neuf petits-enfants.

33. Peter Zumthor

Peter Zumthor est un architecte suisse connu pour son approche minimaliste et phénoménologique du design. Il est né à Bâle, en Suisse, le 26 avril 1943, et a étudié l’architecture à la Kunstgewerbeschule de Bâle et au Pratt Institute de New York. Il a travaillé comme architecte de conservation dans les Grisons avant de fonder son propre cabinet en 1979 à Haldenstein, en Suisse. Il a remporté de nombreux prix prestigieux, tels que le Prix Pritzker, le Praemium Imperiale et la Médaille d’or royale. L’architecture de Zumthor se caractérise par son attention aux qualités sensorielles et expérientielles de l’espace, des matériaux et du contexte. Il crée des bâtiments en harmonie avec leur environnement, respectueux de leur histoire et de leur culture. Il utilise des formes simples et des matériaux naturels pour créer une expression poétique et intemporelle. Il estime que l’architecture doit être une expérience personnelle et émotionnelle, et non une marchandise ou un symbole.

Parmi les œuvres les plus célèbres de Zumthor figurent les Thermes de Vals (1996), un spa thermal construit au-dessus de sources chaudes naturelles à Vals, en Suisse ; le Kunsthaus de Bregenz (1997), un cube de verre et de béton qui abrite un musée d’art contemporain à Bregenz, en Autriche ; le Musée Kolumba (2007), un musée pour l’archidiocèse de Cologne qui intègre les ruines d’une église gothique et d’une chapelle baroque ; et la Chapelle du Champ de Bruder Klaus (2007), une petite chapelle en béton compacté avec un intérieur carbonisé à Wachendorf, en Allemagne. Zumthor a contribué au domaine de l’architecture en créant certaines des œuvres les plus influentes et originales des 20e et 21e siècles. Il a défié les normes et paradigmes conventionnels de l’architecture et de l’urbanisme, et a exploré de nouvelles formes, matériaux, technologies et typologies. Il a également été un visionnaire et un leader dans le traitement des enjeux sociaux, environnementaux et culturels de notre époque. Il a inspiré des générations d’architectes et d’étudiants avec ses idées et ses projets.

Zumthor a également été impliqué dans certaines controverses, notamment concernant ses projets proposés qui ont rencontré de l’opposition ou des critiques de la part du public ou des autorités. Son design pour la Topographie des Terrors, un musée et centre de documentation sur le site de l’ancien siège de la Gestapo à Berlin, a été partiellement construit puis abandonné en 2004 pour des raisons financières. Son plan pour le Los Angeles County Museum of Art, une structure massive en béton noir remplaçant quatre bâtiments existants, a suscité des réactions mitigées et des poursuites judiciaires. Son implication dans le projet des Routes Touristiques Nationales en Norvège, où il a conçu deux structures en collaboration avec l’artiste Louise Bourgeois, a également été remise en question par certains critiques.

34. Carlo Scarpa

Carlo Scarpa était un architecte et designer italien connu pour son utilisation innovante et expressive des matériaux, de l’artisanat et de la lumière. Il a été influencé par l’histoire et la culture de Venise, sa ville natale, ainsi que par l’esthétique japonaise et le modernisme. Il a créé de nombreuses œuvres remarquables d’architecture, de design d’intérieur, de mobilier et de verre, impliquant souvent la rénovation et la restauration de bâtiments existants. Scarpa a étudié à l’Académie royale des beaux-arts de Venise, où il a ensuite enseigné le dessin architectural et la décoration intérieure. Il a également travaillé comme directeur artistique de la verrerie Venini de 1932 à 1947, où il a expérimenté de nouvelles techniques et formes de soufflage de verre. Il n’a jamais obtenu de licence formelle pour pratiquer l’architecture, mais il a collaboré avec d’autres architectes et clients qui appréciaient sa vision et son savoir-faire.

Les œuvres architecturales de Scarpa incluent des musées, des maisons, des tombes et des espaces publics, principalement dans la région de la Vénétie en Italie. Parmi ses projets les plus célèbres figurent le showroom Olivetti à Venise (1957-1958), le Museo di Castelvecchio à Vérone (1956-1964), la tombe et le sanctuaire Brion à San Vito d’Altivole (1969-1978), et la Fondazione Querini Stampalia à Venise (1961-1963). Il a également conçu du mobilier, des luminaires et des objets pour diverses entreprises et expositions, comme la Biennale de Venise. Scarpa a reçu plusieurs prix et reconnaissances pour son travail, tels que le Prix national Olivetti d’architecture en 1956, le Prix national IN-ARCH d’architecture pour le musée Castelvecchio en 1962, et la Médaille d’Or de l’Association italienne des architectes en 1974. Il a également influencé de nombreuses générations d’architectes et de designers, qui admiraient son attention aux détails, l’intégration des éléments anciens et modernes, et sa sensibilité poétique.

Scarpa est décédé en 1978 à Sendai, au Japon, après être tombé dans un escalier en béton. Il a été enterré dans le cimetière Brion, l’une de ses œuvres majeures. Son héritage perdure à travers ses œuvres, qui sont toujours admirées et étudiées par beaucoup, ainsi que par ses dessins et documents, préservés dans divers archives et collections.

35. Andrea Palladio

Andrea Palladio était un architecte italien qui a vécu de 1508 à 1580. Il est considéré comme l’une des figures les plus influentes de l’histoire de l’architecture occidentale, car il a redonné vie et adapté les principes classiques de l’architecture romaine et grecque ancienne. Il a conçu de nombreux bâtiments, en particulier des villas et des églises, admirés pour leur harmonie, leur proportion et leur élégance. Il a également écrit un traité célèbre, Les Quatre Livres de l’Architecture, expliquant ses théories et méthodes et inspirant de nombreux architectes. Andrea Palladio est né à Padoue, dans la République de Venise, sous le nom d’Andrea di Pietro della Gondola. Son père était meunier, et il a commencé sa carrière comme tailleur de pierre et sculpteur. Il s’est installé à Vicence en 1524, où il a rejoint la guilde des tailleurs de pierre et des maçons. Il a été remarqué par un riche mécène, Gian Giorgio Trissino, qui est devenu son mentor et lui a donné le nom de Palladio, d’après la déesse grecque de la sagesse. Trissino a introduit Palladio à l’étude de l’architecture romaine antique, en particulier le travail de Vitruve, et l’a emmené à Rome pour voir les monuments de ses propres yeux.

Le premier grand projet architectural de Palladio fut la rénovation du Palazzo della Ragione, l’hôtel de ville de Vicence, en 1546. Il ajouta une façade classique avec des arcs et des colonnes, contrastant de manière saisissante avec la structure médiévale qui se trouvait derrière. Il conçut également de nombreuses villas pour la noblesse de la région de la Vénétie, telles que la Villa Barbaro, la Villa Emo et la Villa Capra, également connue sous le nom de La Rotonda. Ces villas combinaient des éléments fonctionnels et esthétiques, tels que des portiques, des loggias, des frontons et des dômes, et étaient intégrées au paysage environnant. Palladio conçut aussi plusieurs églises à Venise, telles que San Giorgio Maggiore et Il Redentore, caractérisées par leurs plans symétriques, leurs façades blanches et leurs majestueux dômes. L’influence de l’architecture de Palladio fut immense de son vivant et après sa mort. Son traité, Les Quatre Livres de l’Architecture, fut publié en 1570 et traduit en de nombreuses langues. Il devint une référence standard pour les architectes, qui suivaient ses règles et exemples pour créer des bâtiments dans le style classique. L’architecture de Palladio fut particulièrement populaire en Angleterre, où elle fut adoptée par Inigo Jones, Christopher Wren et bien d’autres. Elle influença également les États-Unis, où elle inspira Thomas Jefferson, qui conçut sa propre maison, Monticello, et l’Université de Virginie sur les modèles de Palladio. Le style de Palladio devint connu sous le nom de Palladianisme, qui est encore largement utilisé aujourd’hui.

Andrea Palladio mourut en 1580 à Maser, près de Trévise, où il travaillait sur son dernier projet, la Villa Barbaro. Il fut enterré dans l’église de Santa Corona à Vicence, où un monument fut érigé en son honneur. Il est considéré comme l’un des plus grands architectes de tous les temps, et ses bâtiments font partie du site du patrimoine mondial de l’UNESCO intitulé Ville de Vicence et les Villas Palladiennes de la Vénétie. Il est également célébré par le Prix Palladio, un prix annuel qui reconnaît l’excellence dans le design traditionnel.

36. Jean Nouvel

Jean Nouvel est un architecte français connu pour ses conceptions expérimentales et innovantes qui remettent souvent en question les frontières conventionnelles de l’architecture. Il est né le 12 août 1945 à Fumel, en France, et a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il a travaillé sur plus de 200 projets dans divers pays et continents, créant des bâtiments divers et distinctifs qui reflètent leur contexte et leur culture. Jean Nouvel est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture car il a remporté de nombreux prix et distinctions prestigieux pour son travail, tels que le Prix Aga Khan d’architecture, le Prix Wolf des Arts, le Praemium Imperiale et le Prix Pritzker, souvent considéré comme le prix Nobel de l’architecture. Il a également été reconnu par plusieurs musées et institutions qui ont exposé son travail et organisé des rétrospectives de sa carrière.

Parmi les œuvres clés de Jean Nouvel figurent l’Institut du Monde Arabe à Paris (1987), qui présente une façade dynamique de lentilles mécaniques ajustables en fonction de la lumière du soleil ; la Torre Agbar à Barcelone (2005), un gratte-ciel cylindrique inspiré de la forme d’un geyser et des couleurs de la céramique catalane ; le Louvre Abu Dhabi (2017), un complexe muséal couvert par un gigantesque dôme créant un effet de pluie de lumière ; et le Musée National du Qatar (2019), une structure étendue qui imite la forme des roses des sables. Jean Nouvel a contribué à l’architecture en créant des conceptions originales et innovantes qui remettent en question les normes et les attentes de la discipline. Il a également été impliqué dans des questions sociales et environnementales, telles que la promotion de la diversité culturelle, la préservation du patrimoine et la conception de bâtiments durables. Il a aussi été un mentor et un collaborateur pour de nombreux jeunes architectes émergents, ainsi qu’un critique et un théoricien de l’architecture.

Jean Nouvel a également fait face à certaines controverses et critiques au cours de sa carrière, telles que des différends avec ses clients, des poursuites judiciaires concernant ses projets et des accusations d’exploitation et d’abus des travailleurs migrants. Il a également été accusé d’être arrogant, égocentrique et inflexible dans sa vision et son approche. Il s’est défendu en affirmant qu’il est un architecte contextuel qui respecte le site, le programme et les personnes, et qu’il est toujours ouvert au dialogue et au débat.

37. Robert Venturi

Robert Venturi était un architecte américain qui a cofondé le cabinet Venturi, Scott Brown and Associates et une figure majeure du postmodernisme. Il est né le 25 juin 1925 à Philadelphie, en Pennsylvanie, et est décédé dans la même ville le 18 septembre 2018. Il a étudié à l’Université de Princeton, où il a obtenu son diplôme summa cum laude en 1947 et a reçu son Master of Fine Arts en 1950. Il a également passé deux ans à l’Académie Américaine de Rome en tant que boursier du Prix de Rome de 1954 à 1956. Robert Venturi est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture car il a remis en question l’orthodoxie moderniste et a plaidé pour une approche plus complexe et contradictoire du design. Ses écrits et ses bâtiments ont influencé de nombreux architectes et étudiants, incorporant souvent des références historiques, des symboles culturels et des éléments ludiques. Il a également remporté de nombreux prix et distinctions prestigieuses pour son travail, tels que le Prix Pritzker en 1991, le Prix Vincent Scully en 2002 et la Médaille d’Or de l’AIA en 2016.

Parmi les œuvres clés de Robert Venturi figurent la Vanna Venturi House à Philadelphie, qu’il a conçue pour sa mère en 1962 et considérée comme l’un des premiers exemples d’architecture postmoderne ; le Guild House à Philadelphie, un complexe de logements pour personnes âgées qui présente une grande antenne de télévision dorée sur le toit ; le Allen Memorial Art Museum à Oberlin, dans l’Ohio, une extension d’un bâtiment néoclassique qui contraste avec son style d’origine ; le Seattle Art Museum dans l’État de Washington, une structure flexible et adaptable pouvant accueillir différents types d’expositions ; et l’aile Sainsbury de la National Gallery à Londres, une addition respectueuse à un bâtiment historique qui se fond dans son contexte. Robert Venturi a contribué à l’architecture en créant des conceptions originales et innovantes qui exprimaient la diversité et la complexité du monde contemporain. Il a également collaboré avec sa femme et partenaire, Denise Scott Brown, ainsi qu’avec d’autres architectes et urbanistes sur divers projets et études, tels que Learning from Las Vegas, un ouvrage fondamental sur le design urbain qui analyse la rue commerciale de Las Vegas. Il a également enseigné dans plusieurs universités et donné des conférences dans de nombreuses institutions, partageant ses idées et ses perspectives avec la communauté architecturale.

Robert Venturi a changé l’industrie de l’architecture en remettant en cause le paradigme moderniste dominant et en ouvrant de nouvelles possibilités d’expression et d’interprétation architecturale. Il a introduit les concepts de complexité, contradiction, ambiguïté et ironie dans le discours architectural, montrant comment l’architecture peut être à la fois fonctionnelle et symbolique, rationnelle et émotionnelle, sérieuse et humoristique. Il a également célébré le quotidien et l’ordinaire et a reconnu l’importance du contexte, de l’histoire et de la culture dans l’architecture. Il a été un leader et un pionnier du mouvement postmoderne et a influencé de nombreux architectes et mouvements qui ont suivi. Robert Venturi a également fait face à des controverses et des critiques au cours de sa carrière, telles que des différends avec ses clients, des poursuites concernant ses projets et des accusations de plagiat et de kitsch. Il a également suscité un débat sur le rôle et la reconnaissance des femmes dans l’architecture lorsqu’il a reçu seul le Prix Pritzker, malgré sa demande d’inclure sa partenaire égale, Scott Brown. Un groupe d’architectes femmes a tenté de faire ajouter son nom rétroactivement au prix, mais le jury du Prix Pritzker a refusé de le faire.

38. Shigeru Ban

Shigeru Ban est un architecte japonais connu pour son utilisation innovante du papier et du carton comme matériaux de construction. Il est également un humanitaire qui a conçu des abris temporaires et à faible coût pour les victimes de catastrophes à travers le monde. Il est lauréat du Prix Pritzker 2014, le prix le plus prestigieux de l’architecture. Shigeru Ban est un architecte qui allie compétences esthétiques et techniques avec une conscience sociale et environnementale. Il a conçu des bâtiments élégants, fonctionnels et durables en utilisant du bois, du bambou, du métal, du tissu et du plastique. Il a également expérimenté de nouvelles formes et structures, telles que le toit ondulé du Centre Pompidou-Metz en France ou le cône inversé du Centre du patrimoine mondial du Mont Fuji au Japon.

Shigeru Ban est né à Tokyo le 5 août 1957. Il a grandi dans une maison en bois et a été fasciné par le travail des charpentiers. Il jouait également au rugby et au violon lorsqu’il était enfant. Il a décidé de devenir architecte après avoir vu les maquettes et les plans de John Hejduk, le doyen de l’École d’Architecture de Cooper Union à New York. Il a étudié à l’Université des Arts de Tokyo, puis a transféré ses études à Cooper Union, où il a obtenu son diplôme en 1984. Il a fondé son propre cabinet, Shigeru Ban Architects, en 1985. Shigeru Ban est considéré comme une légende car il a remis en question les notions conventionnelles de l’architecture et a démontré son potentiel à servir l’humanité et l’environnement. Il a créé des bâtiments beaux et innovants et a su répondre aux besoins et aux contextes des utilisateurs et des sites. Il a également montré une remarquable capacité à travailler avec des ressources et du temps limités, créant des solutions simples, efficaces et durables.

Shigeru Ban a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, dont le Prix Pritzker en 2014, la Médaille Thomas Jefferson en Architecture en 2005, le Prix Auguste Perret en 2011 et le Prix Princesse des Asturies de la Concorde en 2022. Le magazine Time l’a également reconnu comme Innovateur de l’Année en 2001, et le Forum Économique Mondial l’a distingué du Crystal Award en 2015. Il a aussi été professeur dans plusieurs universités, telles que l’Université Keio au Japon, l’Université Harvard aux États-Unis et l’ETH Zurich en Suisse.

39. Paul Rudolph

Paul Rudolph était un architecte américain qui fut l’un des plus grands modernistes aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. Il était connu pour son utilisation du béton armé et pour ses plans d’étage complexes qui faisaient appel aux sens. Il a conçu de nombreux bâtiments à Sarasota, en Floride, ainsi qu’à d’autres endroits, comme le Yale Art and Architecture Building, une structure brutaliste à New Haven, dans le Connecticut. Paul Rudolph est né le 23 octobre 1918 à Elkton, Kentucky. Son père était prédicateur méthodiste et sa mère avait des intérêts artistiques. Il montra très tôt un talent pour la peinture et la musique. Il obtint son diplôme en architecture à l’Université Auburn en 1940 et son master à la Harvard Graduate School of Design en 1947, où il étudia avec Walter Gropius, le fondateur du Bauhaus. Il servit comme officier dans la réserve navale des États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, travaillant sur la conception et la construction de navires de la marine marchande.

Paul Rudolph déménagea à Sarasota, en Floride, en 1948 et s’associa avec Ralph Twitchell pendant quatre ans avant de fonder son propre cabinet en 1952. Il devint l’un des pionniers de l’École d’Architecture de Sarasota, un style régional qui combinait le modernisme avec le climat et la culture locaux. Il conçut de nombreuses maisons et bâtiments publics à Sarasota, comme la Healy Guest House, la Walker Guest House, le Riverview High School et la Sarasota County Library. Il conçut également des bâtiments dans d’autres parties de la Floride, comme la Deering Residence à Miami et la Milam Residence à Ponte Vedra Beach. Paul Rudolph devint président du Département d’Architecture de l’Université de Yale en 1958 et s’installa à New Haven, dans le Connecticut. Il conçut le Yale Art and Architecture Building, achevé en 1963, qui devint son œuvre la plus célèbre. Le bâtiment était une structure spatialement complexe et expressive en béton armé avec une façade ondulée distinctive. C’était l’un des premiers exemples d’architecture brutaliste aux États-Unis, mettant l’accent sur les matériaux bruts et les formes géométriques. Le bâtiment fut controversé et admiré par beaucoup, mais également critiqué et vandalisé par certains. Il subit un incendie en 1969 qui endommagea certaines de ses espaces intérieurs.

Paul Rudolph quitta Yale en 1965 et établit son bureau à New York. Il continua de concevoir des bâtiments innovants et non conventionnels, tels que le Temple Street Parking Garage à New Haven, le Orange County Government Center à Goshen, New York, le Lippo Centre à Hong Kong et le Dhaka Residential Model Town au Bangladesh. Il enseigna également dans plusieurs universités et influença des architectes comme Norman Foster, Richard Rogers et Muzharul Islam. Il reçut de nombreux prix et distinctions, notamment la Médaille d’Or de l’AIA en 1972, la Médaille d’Or du RIBA en 1984 et la Médaille Nationale des Arts en 1993. Il mourut le 8 août 1997 à New York. Paul Rudolph était une légende dans le domaine de l’architecture parce qu’il créa des bâtiments originaux et visionnaires qui remettaient en question les conventions et les attentes de son époque. Il expérimenta avec différents matériaux, formes et fonctions et créa des espaces dynamiques et sensuels qui stimulaient les utilisateurs et l’environnement. Il contribua au développement du modernisme et du brutaliste et inspira des générations d’architectes à explorer de nouvelles possibilités et expressions. Il était également un humanitaire qui se souciait des questions sociales et environnementales et chercha à les aborder à travers son architecture.

40. Thom Mayne

Thom Mayne est un architecte américain basé à Los Angeles. Il est l’un des architectes les plus influents et innovants de sa génération. Il est connu pour ses conceptions audacieuses et non conventionnelles qui remettent en question les normes et les attentes de l’architecture. Il est le fondateur et le principal de Morphosis Architects, un cabinet qui a conçu de nombreux bâtiments dans le monde entier. Il est également enseignant et leader dans l’éducation architecturale. Il a aidé à établir le Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) en 1972 et a enseigné dans diverses universités. Il a reçu le Prix Pritzker, la plus haute distinction en architecture, en 2005. Thom Mayne est né à Waterbury, Connecticut, le 19 janvier 1944. Son père était un prédicateur méthodiste et sa mère avait des intérêts artistiques. Il a montré très tôt un talent pour la peinture et la musique. Il a étudié l’architecture à l’Université de Californie du Sud (USC) et a obtenu son diplôme en 1968. Il a également étudié à la Harvard Graduate School of Design en 1978, où il a appris de Walter Gropius, le fondateur de la Bauhaus. Il a servi comme officier dans la Réserve navale des États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, travaillant à la conception et à la construction de navires marchands.

Thom Mayne s’est installé à Sarasota, en Floride, en 1948 et s’est associé à Ralph Twitchell pendant quatre ans jusqu’à ce qu’il crée son propre cabinet en 1952. Il est devenu l’un des pionniers de l’École d’Architecture de Sarasota, un style régional qui combinait le modernisme avec le climat et la culture locaux. Il a conçu de nombreuses maisons et bâtiments publics à Sarasota, tels que la Healy Guest House, la Walker Guest House, le Riverview High School, et la Sarasota County Library. Il a également conçu des bâtiments dans d’autres parties de la Floride, comme la Deering Residence à Miami et la Milam Residence à Ponte Vedra Beach. Thom Mayne est devenu président du département d’architecture de l’Université Yale en 1958 et a déménagé à New Haven, Connecticut. Il a conçu le Yale Art and Architecture Building, achevé en 1963 et devenu son œuvre la plus célèbre. Le bâtiment était une structure spatialement complexe et expressive faite de béton armé avec une façade ondulée distinctive. C’était l’un des premiers exemples d’architecture brutaliste aux États-Unis, mettant en avant les matériaux bruts et les formes géométriques. Le bâtiment était controversé et admiré par beaucoup mais également critiqué et vandalisé par certains. Il a subi un incendie en 1969 qui a endommagé certains de ses espaces intérieurs.

Thom Mayne a quitté Yale en 1965 et a établi son bureau à New York. Il a continué à concevoir des bâtiments innovants et non conventionnels, tels que le Temple Street Parking Garage à New Haven, le Orange County Government Center à Goshen, New York, le Lippo Centre à Hong Kong, et le Dhaka Residential Model Town au Bangladesh. Il a également enseigné dans diverses universités et a influencé des architectes tels que Norman Foster, Richard Rogers, et Muzharul Islam. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, y compris la Médaille d’Or de l’AIA en 1972, la Médaille d’Or du RIBA en 1984, et la Médaille Nationale des Arts en 1993. Il est décédé le 8 août 1997 à New York. Thom Mayne était une légende dans le domaine de l’architecture car il a créé des bâtiments originaux et visionnaires qui ont défié les conventions et les attentes de son époque. Il a expérimenté avec différents matériaux, formes et fonctions et a créé des espaces dynamiques et sensuels qui stimulaient les utilisateurs et l’environnement. Il a contribué au développement du modernisme et du brutalisme et a inspiré des générations d’architectes à explorer de nouvelles possibilités et expressions. Il était également un humanitaire qui se souciait des problèmes sociaux et environnementaux et tentait de les aborder à travers son architecture.

41. Toyo Ito

Toyo Ito est un architecte japonais connu pour ses conceptions innovantes et conceptuelles combinant minimalisme, technologie et éléments culturels. Il est l’une des figures de proue de l’architecture japonaise contemporaine et a été récompensé par le Prix Pritzker, la Médaille d’or de l’UIA et la Médaille d’or royale, entre autres honneurs. Toyo Ito est un architecte qui explore la relation entre les mondes physique et virtuel et remet en question les notions conventionnelles d’espace, de forme et de fonction. Il crée des bâtiments fluides, dynamiques et réactifs à leur environnement et à leurs utilisateurs. Il expérimente également avec différents matériaux, structures et technologies pour réaliser sa vision architecturale.

Toyo Ito est né à Séoul, en Corée, en 1941, alors sous occupation japonaise. Il a déménagé au Japon avec sa famille en 1943 et a grandi dans la région rurale de Shimosuwa, dans la préfecture de Nagano. Il est diplômé du département d’architecture de l’Université de Tokyo en 1965 et a travaillé pour Kiyonori Kikutake, l’un des fondateurs du mouvement métaboliste, jusqu’en 1969. Il a établi son propre studio, initialement appelé Urban Robot (Urbot), et plus tard renommé Toyo Ito & Associates. Toyo Ito est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de son originalité, de sa créativité et de son influence. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques qui sont devenus des repères de leurs villes, tels que le Sendai Mediatheque, le TOD’S Omotesando Building, la bibliothèque de l’Université d’art de Tama, le stade national de Kaohsiung et le musée d’architecture Toyo Ito. Il a également contribué à la reconstruction de zones touchées par des catastrophes naturelles, telles que le projet Home-for-All pour les victimes du séisme et du tsunami de 2011 au Japon.

Toyo Ito a également contribué au développement de la théorie et de l’éducation en architecture. Il a écrit plusieurs livres et essais sur sa philosophie et sa pratique architecturales, tels que “Tarzans in the Media Forest”, “Blurring Architecture” et “Toyo Ito: Forces of Nature”. Il a également enseigné et donné des conférences dans des universités et des institutions du monde entier, telles que l’Université de Californie à Berkeley, la Harvard Graduate School of Design, l’ETH Zurich et la Royal Academy of Arts à Londres.

42. Gae Aulenti

Gae Aulenti était une architecte et designer italienne qui a été active dans divers domaines du design, tels que le mobilier, le graphisme, la scénographie, l’éclairage, l’exposition et le design d’intérieur. Elle est née le 4 décembre 1927 à Palazzolo dello Stella, une ville de la région du Frioul en Italie. Elle est décédée le 31 octobre 2012 à Milan, où elle a vécu et travaillé la majeure partie de sa vie. Gae Aulenti était une architecte polyvalente et innovante avec une approche de design distinctive. Elle ne s’attachait pas à un style ou une méthode spécifiques mais s’adaptait au contexte et aux besoins de l’utilisateur. Elle était intéressée par la création de différences plutôt que d’homogénéité et établissait des liens entre le passé et le présent, la tradition et la modernité.

Gae Aulenti était issue d’une famille du sud de l’Italie mais a étudié et travaillé dans le nord de l’Italie. Elle a obtenu son diplôme de l’Université Polytechnique de Milan en 1954, en tant que l’une des rares femmes de sa classe. Elle a ensuite rejoint l’équipe de Casabella, un prestigieux magazine de design, où elle a collaboré avec des architectes et critiques influents, tels qu’Ernesto Nathan Rogers, Vittorio Gregotti et Aldo Rossi. Elle a également enseigné à l’IUAV de Venise et au Politecnico di Milano. Gae Aulenti est considérée comme une légende en raison de ses contributions remarquables à la conception de musées importants et d’espaces culturels dans le monde entier. Elle a transformé des bâtiments historiques en environnements contemporains et fonctionnels tout en respectant leur identité et leur caractère originaux. Parmi ses projets les plus célèbres figurent le Musée d’Orsay à Paris, le Palazzo Grassi à Venise, le Museu Nacional d’Art de Catalunya à Barcelone et l’Asian Art Museum à San Francisco.

Gae Aulenti a reçu de nombreux prix et reconnaissances pour son travail, tels que la Chevalier de la Légion d’honneur en France (1987), le Membre honoraire de l’American Institute of Architects, FAIA (1990), le Praemium Impérial pour l’Architecture au Japon (1991), la Chevalière de Grand Croix du mérite de la République italienne (1995), le diplôme honorifique en beaux-arts de la Rhode Island School of Design (2001) et le prix de carrière décerné par la Triennale de Milan (2012).

43. Rafael Moneo

Rafael Moneo est un architecte et éducateur espagnol qui a remporté le Prix Pritzker en 1996. Il est connu pour ses conceptions qui intègrent des éléments contemporains et historiques, créant un sentiment d’intemporalité et de connexion. Il a conçu des musées, des cathédrales, des espaces publics et des bâtiments universitaires dans le monde entier. Rafael Moneo est un architecte polyvalent et innovant qui ne suit pas un style ou une méthode spécifique, mais s’adapte au contexte et aux besoins des utilisateurs. Il s’intéresse à la création de différences plutôt qu’à l’homogénéité et à la création de connexions entre le passé et le présent, la tradition et la modernité.

Rafael Moneo est né le 9 mai 1937 à Tudela, une ville de la région de Navarre en Espagne. Il a étudié l’architecture à l’École d’Architecture de l’Université de Madrid, où il a obtenu son diplôme en 1961. Il a ensuite travaillé avec Jørn Utzon au Danemark et Alvar Aalto en Finlande avant de passer deux ans à Rome en tant que boursier de l’Académie Espagnole. Il est retourné à Madrid en 1965, où il a commencé son propre cabinet et enseigné à l’université. Il a également fondé le magazine Arquitectura Bis, où il a publié ses écrits. Il a ensuite enseigné à l’IUAV de Venise et à la Harvard Graduate School of Design. Rafael Moneo est considéré comme une légende en raison de ses contributions remarquables à la conception de musées importants et d’espaces culturels dans le monde entier. Il a transformé des bâtiments historiques en environnements contemporains et fonctionnels tout en respectant leur identité et leur caractère originaux. Parmi ses projets les plus célèbres figurent le Musée National d’Art Romain à Mérida, en Espagne, le Centre de Congrès et Auditorium Kursaal à San Sebastian, en Espagne, la Cathédrale de Notre-Dame des Anges à Los Angeles, aux États-Unis, et l’expansion du Musée du Prado à Madrid, en Espagne.

Rafael Moneo a reçu de nombreux prix et reconnaissances pour son travail, tels que la Médaille d’Or pour les réalisations dans les beaux-arts décernée par le gouvernement espagnol (1992), le Prix Rolf Schock par l’Académie Royale des Beaux-Arts de Stockholm (1993), le Prix d’Architecture Pritzker (1996), la Médaille d’Or Royale de l’Institut Royal des Architectes Britanniques (2003), le Prix Prince des Asturies pour les Arts (2012), et le Lion d’Or pour l’ensemble de sa carrière par La Biennale di Venezia (2021).

44. César Pelli

César Pelli était un architecte argentino-américain qui a conçu certains des bâtiments les plus hauts du monde et d’autres points de repère urbains majeurs. Il était largement considéré comme l’un des architectes les plus éminents du XXe siècle. Pelli était un architecte moderniste qui utilisait divers matériaux, formes et contextes pour créer des bâtiments sensibles à leur environnement et réactifs à leurs fonctions. Il n’avait pas de style signature personnel, mais adaptait ses conceptions aux besoins et désirs spécifiques de chaque client et site. Pelli est né le 12 octobre 1926 à San Miguel de Tucumán, en Argentine. Il a étudié l’architecture à l’Université nationale de Tucumán et a obtenu son diplôme en 1949. Il a déménagé aux États-Unis en 1952 pour fréquenter l’École d’architecture de l’Université de l’Illinois, où il a obtenu son Master of Science en Architecture en 1954. Il est devenu citoyen naturalisé en 1964. Il a épousé Diana Balmori, architecte paysagiste, et a eu deux enfants, Denis et Rafael, qui sont également devenus architectes. Il a vécu et travaillé dans diverses villes, dont Bloomfield Hills, Los Angeles, New Haven et New York. Il est décédé le 19 juillet 2019 à New Haven, Connecticut.

Le grand accomplissement de Pelli a été de concevoir des bâtiments emblématiques et intégrés qui exprimaient les aspirations et les identités de leurs utilisateurs et de leurs communautés et amélioraient la qualité et la beauté de l’environnement urbain. Il a conçu plus de 300 projets dans plus de 20 pays, y compris des gratte-ciels, des musées, des aéroports, des bibliothèques, des théâtres, des bâtiments universitaires et des centres civiques. Parmi ses bâtiments les plus notables figurent les tours Petronas à Kuala Lumpur, le World Financial Center à New York, la Salesforce Tower à San Francisco, le Transbay Transit Center à San Francisco, le Pacific Design Center à Los Angeles, le Musée national d’art à Osaka, et la Torre de Cristal à Madrid. Pelli a contribué au domaine de l’architecture de nombreuses manières. Il était un écrivain prolifique et un conférencier, partageant ses idées et visions avec des étudiants, des professionnels et le public. Il était un mentor et un collaborateur, favorisant une culture de créativité et d’excellence dans son entreprise, Pelli Clarke Pelli Architects, qu’il a fondée en 1977. Il était un leader et un innovateur, servant comme doyen de l’École d’architecture de Yale de 1977 à 1984 et en tant que membre de divers conseils et comités, tels que le jury du prix d’architecture Pritzker et le comité de pilotage du prix Aga Khan pour l’architecture. Il a également reçu de nombreux honneurs et récompenses, tels que la médaille d’or de l’AIA, le prix d’excellence à vie Lynn S. Beedle, le prix Aga Khan pour l’architecture et le Praemium Imperiale.

Pelli n’était pas une figure controversée dans le monde de l’architecture, mais plutôt une figure respectée et admirée. Il était loué pour son approche humaniste et contextuelle du design, sa maîtrise de l’échelle et des proportions, son esthétique élégante et raffinée, et sa responsabilité éthique et sociale. Il était également reconnu pour son humilité, sa générosité, sa curiosité, sa passion, son optimisme et sa vision. Il était un modèle et une inspiration pour de nombreux architectes, designers et le grand public.

45. Herzog & De Meuron

Herzog & de Meuron est une agence d’architecture suisse fondée par Jacques Herzog et Pierre de Meuron en 1978. Ils sont connus pour la conception de certains des bâtiments les plus emblématiques et innovants du monde, tels que la Tate Modern à Londres, le Stade National de Pékin et l’Elbphilharmonie à Hambourg. Ils sont considérés comme l’un des bureaux de premier plan de l’architecture contemporaine et ont reçu de nombreux prix et honneurs prestigieux, tels que le Prix Pritzker, la Médaille d’Or Royale et le Praemium Imperiale. Herzog et de Meuron ont étudié l’architecture à l’École Polytechnique Fédérale de Zurich (ETH Zurich), où ils ont obtenu leur diplôme en 1975. Ils ont également enseigné à l’ETH Zurich de 1999 à 2018 et ont co-fondé l’ETH Studio Basel, une plateforme de recherche et d’enseignement pour le design urbain. Ils ont également été professeurs invités à l’Université Harvard, à l’Université Cornell et dans d’autres institutions. Ils sont basés à Bâle, en Suisse, mais possèdent des bureaux à Berlin, Munich, New York, San Francisco, Londres et Hong Kong.

Herzog et de Meuron ont accompli de grandes réalisations en créant des bâtiments à la fois expressifs et contextuels, reflétant la culture et l’identité de leurs utilisateurs et de leurs communautés, et améliorant la qualité et la beauté de l’environnement urbain. Ils ont conçu plus de 600 projets dans 40 pays, allant de bâtiments culturels, sociaux et corporatifs à des plans directeurs et des interventions urbaines. Ils utilisent divers matériaux, formes et techniques et n’ont pas un style signature fixe, mais adaptent plutôt leurs conceptions aux besoins et désirs spécifiques de chaque client et site. Herzog et de Meuron ont contribué au domaine de l’architecture de nombreuses manières. Ils sont des écrivains et des conférenciers prolifiques, partageant leurs idées et visions avec des étudiants, des professionnels et le public. Ils sont des mentors et des collaborateurs, favorisant une culture de créativité et d’excellence dans leur entreprise, qui compte plus de 400 employés. Ils sont des leaders et des innovateurs, membres de divers conseils et comités, tels que le jury du Prix d’Architecture Pritzker et le comité directeur du Prix Aga Khan pour l’Architecture. Ils sont également impliqués dans des projets sociaux et environnementaux, comme la Vision Urbaine pour Mãe Luíza au Brésil, qui vise à améliorer les conditions de vie et les infrastructures d’un quartier à faible revenu.

Herzog et de Meuron ont changé l’industrie de l’architecture en établissant de nouvelles normes d’excellence et d’innovation, en défiant les conventions et les limites de la discipline, et en inspirant et influençant des générations d’architectes et de designers. Ils ont également enrichi la vie culturelle et civique des villes et des pays où ils ont construit leurs projets, créant des repères admirés et appréciés par des millions de personnes. Ils n’ont pas été controversés dans l’architecture mais plutôt respectés et célébrés pour leurs réalisations et contributions.

46. Kenzo Tange

Kenzo Tange était un architecte, urbaniste et enseignant japonais qui a remporté le Prix Pritzker d’Architecture en 1987. Il est connu pour ses travaux en matière de planification urbaine, tels que le Centre et le Parc de la Paix de Hiroshima, le Plan de Tokyo et l’agrandissement du Musée d’Art de Minneapolis. Il a également conçu de nombreux bâtiments au Japon et à l’étranger, tels que le Centre de diffusion et de presse de Yamanishi, le Centre Sogetsu et le Centre culturel de la préfecture de Hyogo. Kenzo Tange était un architecte moderniste qui combinait les styles traditionnels japonais avec des influences occidentales. Inspiré par l’architecte suisse Le Corbusier et l’histoire et la culture japonaises, il estimait que l’architecture doit toucher le cœur humain tout en étant logique et créative.

Kenzo Tange est né le 4 septembre 1913 à Sakai, Japon. Il a passé son enfance en Chine, où son père travaillait comme homme d’affaires. Il retourna au Japon en 1928 et déménagea à Hiroshima en 1930 pour fréquenter le lycée. Il étudia l’architecture à l’Université de Tokyo de 1935 à 1938, puis travailla comme professeur assistant jusqu’en 1941. Il servit dans l’armée pendant la Seconde Guerre mondiale et reprit ensuite sa carrière d’enseignant à l’Université de Tokyo après la guerre. Il décéda le 22 mars 2005 à Tokyo, Japon. Kenzo Tange est considéré comme une légende car il fut l’un des architectes les plus influents du 20e siècle. Il a contribué à la reconstruction et à la modernisation du Japon d’après-guerre et au développement de nombreuses villes dans le monde. Il fut un leader du mouvement Métaboliste, qui envisageait des structures urbaines dynamiques et organiques. Il a été le mentor d’architectes renommés tels que Kisho Kurokawa, Fumihiko Maki et Arata Isozaki.

L’éducation de Kenzo Tange s’est principalement déroulée à l’Université de Tokyo, où il a étudié sous la direction de Hideto Kishida et Shozo Uchida. Il s’est également inspiré des œuvres de Le Corbusier, Frank Lloyd Wright et Bruno Taut. Il a visité l’Europe et l’Amérique à plusieurs reprises et a rencontré et échangé des idées avec d’autres architectes tels que Walter Gropius, Marcel Breuer et Eero Saarinen. Il a également assisté aux réunions du CIAM (Congrès Internationaux d’Architecture Moderne), où il a présenté ses propositions de planification urbaine.

47. Sir Christopher Wren

Sir Christopher Wren était un célèbre architecte, astronome, mathématicien et physicien anglais. Il a vécu de 1632 à 1723 et a conçu de nombreuses églises et bâtiments à Londres et ailleurs. Il était également un des fondateurs de la Royal Society et un scientifique respecté. Sir Christopher Wren est né à East Knoyle, Wiltshire, où son père était clerc. Il a étudié à l’Université d’Oxford où il a appris la physique, l’ingénierie et l’architecture. Il a été influencé par les travaux de Le Corbusier, Frank Lloyd Wright et Bruno Taut. Il a également visité l’Europe et l’Amérique à plusieurs reprises, rencontrant d’autres architectes et scientifiques.

Sir Christopher Wren est surtout connu pour son travail d’architecte, notamment après le grand incendie de Londres en 1666. Il a été nommé Surveillant des Travaux du Roi et a été responsable de la reconstruction de 52 églises dans la ville, y compris son chef-d’œuvre, la Cathédrale Saint-Paul. Il a également conçu de nombreux bâtiments séculaires, tels que l’Hôpital Royal de Chelsea, le Collège Royal Naval de Greenwich et la façade sud du Palais de Hampton Court. Il a utilisé le style baroque anglais, qui combinait des éléments classiques avec des innovations modernes. Sir Christopher Wren était également une figure marquante de la communauté scientifique. Il a été l’un des fondateurs de la Royal Society, un groupe de philosophes naturels qui réalisaient des expériences et partageaient leurs découvertes. Il en a été le président de 1680 à 1682. Il a également apporté des contributions en astronomie, en mathématiques et en physique. Il a inventé le micromètre, un appareil permettant de mesurer de petites distances, et le thermomètre météorologique, un appareil permettant de mesurer la température de l’air. Il a également proposé une théorie du mouvement planétaire et une méthode pour trouver l’aire d’une cycloïde.

Sir Christopher Wren était une légende parce qu’il était l’un des architectes et scientifiques les plus influents de son époque. Il a aidé à façonner le développement de Londres et d’autres villes après le Grand Incendie. Il a également dirigé le mouvement Métaboliste, qui envisageait des structures urbaines dynamiques et organiques. Il a été le mentor de nombreux autres architectes, tels que Nicholas Hawksmoor, John Vanbrugh et James Gibbs. Il était également admiré par Isaac Newton et Blaise Pascal, qui louaient son travail scientifique. Sir Christopher Wren a reçu de nombreux prix et honneurs pour ses réalisations. Il a été anobli par le roi Charles II en 1673. Il a également été élu membre de la Royal Society en 1663 et membre de l’Académie des sciences française en 1693. Il a reçu des diplômes honorifiques des universités d’Oxford et de Cambridge. Il est enterré dans la Cathédrale Saint-Paul, où son épitaphe dit : “ Lecteur, si tu cherches son monument, regarde autour de toi.”

48. Kengo Kuma

Kengo Kuma est un architecte et professeur japonais connu pour son utilisation innovante des matériaux naturels et de la lumière dans ses conceptions. Il est l’une des figures les plus influentes de l’architecture contemporaine et a créé de nombreux bâtiments emblématiques dans le monde entier. Kengo Kuma est né en 1954 à Yokohama, au Japon. Il est diplômé de l’Université de Tokyo en 1979 et a ensuite travaillé comme chercheur à l’Université Columbia à New York de 1985 à 1986. Il a fondé son cabinet, Kengo Kuma & Associates, en 1990 et enseigne à l’Université de Tokyo depuis 2009. Il est marié à l’architecte Satoko Shinohara, et ils ont un fils, Taichi, qui est également architecte.

La philosophie architecturale de Kengo Kuma est de récupérer la tradition des bâtiments japonais et de les réinterpréter pour le 21e siècle. Il vise à créer une architecture de relations, respectant son environnement au lieu de le dominer. Il s’intéresse à la manipulation de la lumière et de la nature à travers la matérialité, et il utilise les avancées technologiques pour défier des matériaux inattendus, tels que la pierre, le bambou, le papier et le plastique, pour fournir la même sensation de légèreté et de douceur que le verre ou le bois. Le grand accomplissement de Kengo Kuma est la conception du Stade National du Japon à Tokyo, construit pour les Jeux Olympiques d’été de 2020. Le stade symbolise la résilience et la récupération du Japon après le tremblement de terre et le tsunami de 2011, mettant en avant la vision de Kuma d’une harmonie entre nature et architecture. Le stade présente une structure en treillis de bois qui se fond dans la forêt environnante et un toit qui collecte l’eau de pluie pour l’irrigation et le refroidissement. Le stade peut accueillir 68 000 spectateurs et possède un design flexible pour accueillir divers événements.

Kengo Kuma a reçu de nombreux prix et honneurs pour son travail au Japon et à l’étranger. Parmi eux figurent le Prix de l’Institut d’Architecture du Japon en 1997, le Prix Spirit of Nature Wood Architecture en 2002, l’Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres en France en 2009, le Prix International d’Architecture en Pierre en 2012, le Prix Mondial de l’Architecture Durable en 2016, et la Médaille d’Or Royale de l’Institut Royal des Architectes Britanniques en 2021. Kengo Kuma a conçu de nombreuses œuvres clés qui mettent en valeur son style et sa créativité. Parmi elles, le Musée de la Pierre à Nasu (2000), la Grande Muraille de Bambou en Chine (2002), le Musée d’Art Préfectoral de Nagasaki (2005), le Centre de Culture et de Tourisme d’Asakusa à Tokyo (2012), le V&A Dundee en Écosse (2018), la Station Takanawa Gateway à Tokyo (2020), et le Musée Hans Christian Andersen au Danemark (2021).

Kengo Kuma a été controversé à certaines occasions, notamment concernant son implication dans le projet du Stade National du Japon. Il a été choisi comme le deuxième architecte pour le projet après que le design original de Zaha Hadid a été abandonné en raison de préoccupations de coût et environnementales. Toutefois, certains critiques l’ont accusé de plagiat, affirmant que son design était trop similaire à celui de Hadid. Kuma a nié les allégations et défendu son design comme original et respectueux du site. Il a également rencontré certains défis et retards dans le processus de construction en raison de la disponibilité et de la qualité des matériaux en bois et de l’impact de la pandémie de COVID-19. Malgré ces difficultés, il a réussi à achever le projet à temps et dans les limites du budget et a été salué pour sa réalisation.

49. Fumihiko Maki

Fumihiko Maki est un architecte japonais qui enseigne à l’Université Keio SFC. Il est lauréat du Prix Pritzker et pionnier du modernisme au Japon. Il a conçu de nombreux bâtiments qui fusionnent les cultures de l’Est et de l’Ouest et utilisent de nouveaux matériaux et technologies. Fumihiko Maki est né à Tokyo, au Japon, le 6 septembre 1928. Il est toujours en vie et actif en tant qu’architecte et professeur. Il a vécu et travaillé au Japon et aux États-Unis. Fumihiko Maki est un architecte moderniste influencé par les traditions japonaises et occidentales. Il s’intéresse à la création de bâtiments harmonieux avec leur environnement et exprimant les valeurs humaines et sociales de leurs utilisateurs. Il est également connu pour son utilisation innovante de matériaux tels que le métal, le verre, le bois et le béton.

Fumihiko Maki a reçu son éducation de diverses institutions au Japon et aux États-Unis. Il a obtenu un diplôme de Bachelor en architecture de l’Université de Tokyo en 1952, un Master en architecture de la Cranbrook Academy of Art en 1953, et un autre Master en architecture de la Harvard Graduate School of Design en 1954. Il a également travaillé comme chercheur à l’Université Columbia de 1985 à 1986. Fumihiko Maki est considéré comme une légende dans le domaine de l’architecture en raison de ses réalisations et contributions. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques et influents dans le monde entier, tels que le Yerba Buena Center for the Arts à San Francisco, le Spiral Building à Tokyo, le Shenzhen Sea World Culture and Arts Centre en Chine, et la Tour 4 du World Trade Center à New York. Il a également reçu de nombreux prix et distinctions prestigieux, tels que le Prix Wolf dans les Arts en 1988, le Prix d’Architecture Pritzker en 1993, la Médaille d’Or de l’Union Internationale des Architectes en 1993, le Praemium Imperiale en 1999, et la Médaille d’Or de l’AIA en 2011.

Fumihiko Maki n’a pas été très controversé dans sa carrière, mais a fait face à des défis et critiques. Certains de ses projets, tels que le Republic Polytechnic à Singapour et l’extension du MIT Media Lab dans le Massachusetts, ont été retardés ou modifiés en raison de problèmes de budget ou de conception. Certains de ses bâtiments, comme le Kemper Art Museum à St. Louis et le Musée Aga Khan à Toronto, ont été critiqués pour être trop austères ou hors contexte.

Qui sont les meilleurs architectes contemporains de l’histoire?

Les meilleurs architectes contemporains de l’histoire sont Frank Lloyd Wright, Zaha Hadid et Renzo Piano, en raison de leur innovation, reconnaissance et impact. Frank Lloyd Wright était un architecte américain, pionnier des mouvements de l’École de la Prairie et de l’architecture organique. Il a conçu plus de 1 000 structures, y compris Fallingwater, le musée Guggenheim et le musée Solomon R. Guggenheim. Il est considéré comme l’un des plus grands architectes du 20e siècle et a influencé des générations d’architectes dans le monde entier. Ensuite, Zaha Hadid, une architecte britannico-iraquienne, fut la première femme à recevoir le Prix Pritzker, la plus haute distinction en architecture. Elle était connue pour ses conceptions néo-futuristes caractérisées par des courbes dynamiques, des formes géométriques et des formes expressives. Parmi ses œuvres emblématiques figurent le Centre Heydar Aliyev, l’Opéra de Guangzhou et le Centre aquatique de Londres. Elle était une architecte visionnaire qui repoussait les limites du design et de la technologie. Enfin, Renzo Piano est un architecte italien connu pour ses structures légères et élégantes qui se fondent dans leur environnement. Il est le co-concepteur du Centre Pompidou, l’un des bâtiments les plus influents du 20e siècle. Il est également le fondateur de l’atelier d’architecture Renzo Piano, qui a réalisé des projets tels que le Shard, le musée Whitney d’art américain et le bâtiment du New York Times. Il est maître dans la création d’harmonie entre l’architecture et l’environnement.

Qui sont les meilleurs architectes commerciaux de l’histoire?

Les meilleurs architectes commerciaux de l’histoire sont Norman Foster, Frank Gehry et Zaha Hadid. Tout d’abord, Norman Foster est un architecte britannique, fondateur et président de Foster + Partners, l’une des plus grandes et prestigieuses agences d’architecture du monde. Il est connu pour ses conceptions high-tech et écologiques qui intègrent des ingénieries et matériaux avancés. Parmi ses œuvres emblématiques figurent la banque HSBC de Hong Kong et Shanghai, le dôme du Reichstag, le parc Apple et le viaduc de Millau. Il a reçu le Prix Pritzker, le Prix Stirling et la Médaille d’Or RIBA. Ensuite, Frank Gehry est un architecte canado-américain, fondateur de Gehry Partners, un cabinet spécialisé dans les bâtiments expressifs et sculpturaux qui défient les conventions architecturales. Il est célèbre pour l’utilisation du déconstructivisme, un style qui décompose et réassemble les formes de manière inattendue. Ses œuvres célèbres incluent le musée Guggenheim de Bilbao, la salle de concerts Walt Disney, la Fondation Louis Vuitton et la Maison Dansante. Il a également remporté le Prix Pritzker, le Praemium Imperiale et la Médaille d’Or de l’AIA. Enfin, Zaha Hadid était une architecte britannico-iraquienne, première femme à recevoir le Prix Pritzker. Elle était connue pour ses conceptions néo-futuristes caractérisées par des courbes dynamiques, des formes géométriques et des formes expressives. Parmi ses œuvres emblématiques figurent le Centre Heydar Aliyev, l’Opéra de Guangzhou, le Centre aquatique de Londres et le musée MAXXI. Elle a également reçu le Prix Stirling, la Médaille d’Or RIBA et le Praemium Imperiale.

Qui sont les meilleurs architectes résidentiels de l’histoire?

Les meilleurs architectes résidentiels de l’histoire sont Frank Lloyd Wright, Tadao Ando et Zaha Hadid. Tout d’abord, Frank Lloyd Wright était un architecte américain, pionnier de l’École de la Prairie et de l’architecture organique. Il a conçu plus de 1 000 structures, y compris de nombreuses maisons emblématiques telles que Fallingwater, la maison Robie et le musée Solomon R. Guggenheim. Il est largement considéré comme l’un des plus grands architectes du 20e siècle et a influencé des générations d’architectes dans le monde entier. Ensuite, Tadao Ando est un architecte japonais connu pour ses conceptions minimalistes et en béton qui créent un sentiment d’harmonie entre la nature et les humains. Il a conçu de nombreux projets résidentiels, y compris la maison 4×4, la maison Koshino et la maison Azuma. Il a également reçu le Prix Pritzker, le Praemium Imperiale et la Médaille d’Or RIBA. Enfin, Zaha Hadid était une architecte britannico-iraquienne, première femme à recevoir le Prix Pritzker. Elle était célèbre pour ses conceptions néo-futuristes caractérisées par des courbes dynamiques, des formes géométriques et des formes expressives. Parmi ses œuvres résidentielles figurent la résidence Capital Hill, le musée One Thousand et le Galaxy SOHO. Elle a également reçu le Prix Stirling, la Médaille d’Or RIBA et le Praemium Imperiale.

Qui sont les nouveaux venus les plus populaires en architecture?

Junya Ishigami, Tatiana Bilbao et David Adjaye sont les meilleurs nouveaux architectes. Tout d’abord, Junya Ishigami est un architecte japonais connu pour ses conceptions poétiques et expérimentales qui estompent les frontières entre l’architecture, le paysage et l’art. Il a remporté plusieurs prix, dont le Lion d’Or à la Biennale de Venise et le Prix d’Architecture Suisse BSI. Parmi ses œuvres figurent la maison et le jardin, l’atelier de l’Institut de Technologie de Kanagawa et le pavillon Serpentine 2019. Ensuite, Tatiana Bilbao est une architecte mexicaine reconnue pour ses projets socialement et écologiquement conscients qui répondent aux besoins et aspirations de différentes communautés. Elle a reçu divers honneurs, dont le Prix Mondial de l’Architecture Durable et le Prix Marcus. Parmi ses œuvres figurent le prototype de logement durable, le jardin botanique de Culiacán et la maison Ventura. Enfin, David Adjaye est un architecte britannico-ghanéen acclamé pour ses conceptions diverses et multiculturelles qui célèbrent l’histoire et l’identité de différents lieux et personnes. Il a été anobli par la reine Élisabeth II et nommé l’une des 100 personnes les plus influentes du magazine Time. Parmi ses œuvres figurent le Smithsonian National Museum of African American History and Culture, l’école de gestion de Skolkovo à Moscou et le centre d’art Ruby City.

Qui sont les architectes les plus emblématiques des États-Unis ?

Les architectes les plus emblématiques des États-Unis sont Frank Lloyd Wright, Louis Henry Sullivan et Philip Johnson. Tout d’abord, Frank Lloyd Wright est considéré comme le plus grand architecte américain de tous les temps. Il a été pionnier des mouvements de l’École de la Prairie et de l’architecture organique, mettant l’accent sur l’harmonie avec la nature et les besoins humains. Il a conçu plus de 1 000 structures, incluant des maisons emblématiques, des musées, des églises et des hôtels. Parmi ses œuvres célèbres figurent Fallingwater, le Musée Solomon R. Guggenheim et la Maison Robie. Deuxièmement, Louis Henry Sullivan est considéré comme le père de l’architecture moderne américaine. Il a inventé la phrase « la forme suit la fonction » et a défendu un style américain distinctif libre des influences historiques. Il a mentoré Frank Lloyd Wright et influencé l’École d’Architecture de Chicago. Il a conçu de nombreux gratte-ciels, banques, théâtres et grands magasins. Parmi ses œuvres notables figurent le bâtiment Wainwright, le bâtiment Auditorium et le bâtiment Carson Pirie Scott. Enfin, Philip Johnson est l’un des architectes les plus influents du XXe siècle. Il a fondé le Département d’Architecture et de Design au Museum of Modern Art et a promu divers mouvements architecturaux, tels que le modernisme, le postmodernisme et le déconstructivisme. Il a conçu de nombreux bâtiments publics et privés, tels que des musées, des bibliothèques, des bureaux et des résidences. Parmi ses œuvres emblématiques figurent la Glass House, le Seagram Building et le bâtiment AT&T.

Qui sont les architectes les plus emblématiques d’Europe ?

Les architectes les plus emblématiques d’Europe sont Antoni Gaudí, Le Corbusier et Norman Foster. Tout d’abord, Antoni Gaudí était un architecte espagnol célèbre pour son style unique et expressif combinant des éléments du modernisme catalan, de l’Art nouveau et du renouveau gothique. Il a conçu de nombreux bâtiments à Barcelone, tels que la Sagrada Familia, la Casa Batlló et le Parc Güell. Il est également classé au patrimoine mondial de l’UNESCO et symbole de la culture catalane. Deuxièmement, Le Corbusier était un architecte suisse-français considéré comme l’un des pionniers de l’architecture moderne et de l’urbanisme. Il a développé le concept de la « machine à habiter » et les « cinq points de l’architecture » qui ont influencé la conception de nombreux bâtiments, tels que la Villa Savoye, l’Unité d’Habitation et le complexe du Capitole de Chandigarh. Il est également lauréat du prix de l’UNESCO et a reçu la Médaille d’Or de l’AIA. Enfin, Norman Foster est un architecte britannique connu pour ses conceptions high-tech et durables qui combinent ingénierie et esthétique. Il a fondé Foster + Partners, l’une des plus grandes et prestigieuses firmes d’architecture au monde. Il a conçu de nombreux bâtiments emblématiques, tels que la coupole du Reichstag, le Gherkin et le parc Apple. Il est également lauréat du Prix Pritzker et Chevalier de l’Empire britannique.

Qui sont les architectes les plus emblématiques d’Asie ?

Les architectes les plus emblématiques d’Asie sont I.M. Pei, Zaha Hadid et B.V. Doshi. Tout d’abord, I.M. Pei était un architecte sino-américain connu pour ses conceptions modernes et géométriques qui mêlaient influences orientales et occidentales. Il a remporté le Prix Pritzker, la plus haute distinction en architecture, et a conçu de nombreux bâtiments célèbres dans le monde entier, tels que la Pyramide du Louvre, la Tour du Banque de Chine et le Musée de Suzhou. Deuxièmement, Zaha Hadid était une architecte britannique-iraquienne considérée comme l’une des architectes les plus influentes et visionnaires du 21e siècle. Elle a été la première femme à recevoir le Prix Pritzker et la Médaille d’Or Royale de l’Institut Royal des Architectes Britanniques. Elle a conçu de nombreux bâtiments emblématiques connus pour leurs formes dynamiques et futuristes, tels que l’Opéra de Guangzhou, le Centre Heydar Aliyev et le Dongdaemun Design Plaza. Enfin, B.V. Doshi était un architecte indien considéré comme un pionnier de la vivienda de bajo costo y la arquitectura sostenible en India. Il était disciple de Le Corbusier et a collaboré avec lui sur plusieurs projets, tels que le bâtiment de l’Association des propriétaires de moulins et la Maison Sarabhai. Il a également reçu le Prix Pritzker et a conçu de nombreux bâtiments influents qui reflètent le contexte social et culturel de l’Inde, tels que l’Indian Institute of Management Bangalore, le logement Aranya et l’Amdavad ni Gufa.

Qui sont les architectes les plus emblématiques d’Australie ?

Les architectes les plus emblématiques d’Australie sont Glenn Murcutt, Harry Seidler et Peter Stutchbury. Tout d’abord, Glenn Murcutt est lauréat du Prix Pritzker et récipiendaire de la Médaille Alvar Aalto. Il est connu pour ses conceptions sensibles à l’environnement et réactives au climat qui se fondent dans le paysage australien. Il a conçu de nombreuses maisons, écoles, mosquées et musées utilisant des matériaux et techniques simples. Parmi ses œuvres célèbres figurent la Magney House, la Marika-Alderton House et le Arthur et Yvonne Boyd Education Centre. Deuxièmement, Harry Seidler était un architecte reconnu internationalement qui est considéré comme l’un des architectes les plus influents au monde en ce qui concerne le modernisme et sa méthodologie. Il a été influencé par Walter Gropius, Marcel Breuer et Oscar Niemeyer. Il a conçu de nombreux bâtiments en Australie et à l’étranger, tels que des projets résidentiels, commerciaux, culturels et publics. Parmi ses œuvres emblématiques figurent la Rose Seidler House, l’Australia Square et la Horizon Tower. Enfin, Peter Stutchbury est un architecte australien reconnu pour son approche innovante de la durabilité et du design. Il a conçu de nombreux projets galardonés dans divers contextes et climats, tels que des maisons, des écoles, des mosquées et des musées. Parmi ses œuvres célèbres figurent The Invisible House, la Cabbage Tree House, le Centre de Tir Olympique et le Deepwater Woolshed. Il a également reçu de nombreux honneurs prestigieux, tels que la Médaille d’Or de l’Institut Australien des Architectes en 2015, la Médaille Alvar Aalto en 2017 et la Bourse à Vie de l’Institut Royal des Architectes Australiens en 2018.

Quelles sont les évolutions des styles architecturaux dans l’histoire moderne ?

L’évolution des styles architecturaux dans l’histoire moderne a été marquée par des changements significatifs dans les approches de conception et l’esthétique. La progression a commencé avec l’émergence du style néoclassique à la fin du 18e siècle, caractérisé par son renouveau des éléments classiques grecs et romains. Il a été suivi par l’essor de la Révolution industrielle, qui a conduit au développement des principes utilitaristes et fonctionnalistes du mouvement moderniste au début du 20e siècle. L’architecture moderniste mettait l’accent sur la simplicité, les formes géométriques et l’utilisation innovante de matériaux tels que l’acier et le verre. Au milieu du 20e siècle, le mouvement postmoderniste est apparu en réaction à la rigueur perçue du modernisme. L’architecture postmoderne a embrassé des styles éclectiques, des références historiques et des éléments ludiques. Ces dernières décennies, la durabilité et les considérations environnementales sont devenues de plus en plus importantes, conduisant à l’essor de l’architecture durable et à l’intégration des principes de conception écologique. Cela a résulté en l’utilisation de matériaux renouvelables, de technologies écoénergétiques et de l’incorporation d’éléments naturels.

Quels architectes ont façonné le modernisme ?

Des architectes tels que Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe et Walter Gropius ont influencé le modernisme et révolutionné la conception architecturale et les principes. Tout d’abord, Le Corbusier prônait le fonctionnalisme et l’utilisation efficace de l’espace. Ses “Cinq Points de l’Architecture” mettaient l’accent sur les pilotis (supports surélevés), les plans de sol libres, les fenêtres en ruban, un jardin sur le toit et une façade libre de contraintes structurelles. Ses conceptions, telles que la Villa Savoye en France, ont mis en valeur des lignes épurées, des intérieurs ouverts et l’intégration de la technologie. Ensuite, l’approche minimaliste de Ludwig Mies van der Rohe et sa célèbre devise “moins c’est plus” sont devenues synonymes d’architecture moderniste. Il visait à atteindre la pureté et la simplicité architecturale en utilisant des matériaux industriels comme l’acier et le verre, comme en témoignent le Pavillon de Barcelone en Espagne et le Seagram Building à New York, qui ont mis en avant des espaces ouverts et élégants et une emphase sur l’honnêteté structurelle. Enfin, Walter Gropius a apporté des contributions significatives au modernisme en tant que fondateur de l’école Bauhaus en Allemagne. Gropius croyait en l’intégration de l’art, de l’artisanat et de la technologie et cherchait à créer une relation harmonieuse entre l’architecture et son environnement. Ses conceptions, telles que le bâtiment Bauhaus à Dessau, ont mis en avant des principes fonctionnalistes, une utilisation innovante des matériaux et une emphase sur l’unité de la forme et de la fonction.

Comment l’éducation aide-t-elle les architectes à être considérés comme des légendes?

L’éducation joue un rôle crucial dans la formation des architectes en figures légendaires. Grâce à l’éducation, les architectes acquièrent les connaissances, compétences et capacités de pensée critique nécessaires pour repousser les limites du design et laisser un impact durable dans le domaine. L’éducation architecturale fournit une base en principes de conception, techniques de construction et contexte historique, permettant aux architectes de comprendre et d’interagir avec le riche héritage de la discipline. Elle stimule la créativité, la résolution de problèmes et l’innovation, dotant les architectes des outils nécessaires pour imaginer et réaliser des projets révolutionnaires. L’éducation cultive également une compréhension des aspects sociaux, culturels et environnementaux de l’architecture, encourageant les architectes à créer des espaces qui répondent aux besoins des communautés et favorisent la durabilité.

Faut-il un diplôme en architecture pour devenir architecte?

Oui, un diplôme en architecture est nécessaire pour devenir architecte. Un diplôme en architecture fournit aux individus les connaissances, compétences et accréditations professionnelles nécessaires pour pratiquer l’architecture. Les programmes d’architecture offrent une éducation complète en théorie de la conception, technologie du bâtiment, ingénierie structurelle, systèmes environnementaux et histoire de l’architecture. Ces programmes incluent également une expérience pratique grâce à des studios de conception, des stages et des collaborations avec des professionnels de l’industrie.

Quel est le diplôme universitaire le plus prestigieux en architecture qu’un étudiant peut suivre?

Le diplôme universitaire le plus prestigieux en architecture est un Master en Architecture (MArch) d’une institution reconnue et accréditée. Les diplômes de MArch sont hautement respectés dans le domaine de l’architecture car ils fournissent des connaissances avancées, une formation spécialisée et une compréhension approfondie de la conception, de la théorie et de la pratique architecturales. Ce diplôme offre aux étudiants l’opportunité d’approfondir leurs recherches architecturales, leur pensée critique et leur exploration du design. Les universités prestigieuses proposant des programmes de MArch possèdent souvent des membres du corps professoral renommés, des liens solides avec l’industrie, des installations de pointe et un riche patrimoine architectural. Obtenir ce diplôme témoigne d’un haut niveau d’accomplissement académique et offre un accès à un vaste réseau de professionnels et à des opportunités d’avancement de carrière.